Annuaire Nova 2000

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L'Annuaire Nova 2000, c'est 24905 sites internet répartis dans 371 catégories.

Chroniquart est un rendez-vous culturel, avec les arts visuels du monde entier.  L' art sans frontière.  Les artistes connus et inconnus, peuvent profiter de ce portail artistique, pour se faire connaître, eux et leur production.  Toutes les formes d'art sont acceptées, en autant qu'il s'agisse d'arts visuels.  Il s'agit de soumettre ses oeuvres.  Un article est ensuite rédigé, en accompagnement.  Des biographies de créateurs sont proposées aux visiteurs.  Ceux-ci trouveront également, des liens références, pour les guider sur le web, afin de poursuivre leur recherche artistique.  Les services du site, sont entièrement gratuits.  N'hésitez pas, soumettez vos oeuvres.

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Catégorie : Accueil > Arts et Culture

Chroniquart


  • Rubriques à voir. -
    Sculpture contemporaine Sculpture Moderne. ? présentations spéciales. ???Dylan Lewis. Mentions légales.

  • Bienvenue sur Chroniquart -
    ?Chroniquart se consacre entièrement aux artistes en arts visuels et plastiques. Le but de ce site, est de donner une visibilité appréciable aux créateurs, afin d'aider à les faire connaître. Intéressés à paraître dans ses pages? N' hésitez pas, proposez vos oeuvres. Utilisez la rubrique contact, pour ce faire. Chroniquart est un bon site, pour vous.

  • La sculpture sur bois. -
    On ne peut parler de l`art aborigène sans aborder le sujet de la sculpture sur bois. Il s`agit d`une production relativement rare, au nord du continent: région de Maningrida et de Melville Island. Ces régions très boisées fournissent les artistes en matériaux. Les artistes de ces régions sont spécialisés dans la reproduction des "esprits mimi", esprits des anciens,marins et cosmiques. Les sculptures sont en bois, peintes a l`ocre naturel, ou avec de la peinture acrylique. Elles sont de formes élancées. A Melville Island, les Tiwis travaillent autrement. Ils sculptent des personnages en pieds. Ces figures totémiques, sont associées à l`esprit protecteur de leur environnement. On retrouve aussi des figures animales d`oiseaux, peintes de couleurs vives. Ci-haut: autre sculpture de Johanin Bangdor. ( source des textes: Wikipédia.

  • Les premières représentations du cheval. -
    Le premier cheval de bois de l`Histoire, est certainement " Le cheval de Troie". Malheureusement sur celui-ci, il ne reste aucun document pouvant servir à prouver son existence. Les chevaux ont occupé une fonction primordiale dans l`histoire de l`humanité, et ce, partout dans le monde. Ils étaient ce qu`est l`automobile pour nous, aujourd`hui. Il ne faut pas se surprendre qu`on en ait fait autant de représentations. Le carrousel est sans doute, la plus connue, et la plus aimée. Cependant nombre d`artistes anonymes ont eux-aussi, rendu un hommage artistique merveilleux à cet animal. Nous verrons quelques-unes de ces représentations. Elles sont toutes fort intéressantes à voir. Les carrousels sont des manèges tournants , avec des sièges, des représentations animales réalistes ou stylisées. Ils sont apparus vers 1860 en Europe, ensuite vers 1870 aux E-U. Les anciens carrousels avaient une grande variété de figures animales, contrairement aux plus récents. Ceux d`aujourd`hui laissent beaucoup de place aux chevaux de bois. De toute manière, qu`ils soient anciens ou pas, ils nous fascinent toujours autant, avec leurs belles couleurs vives et leur musique. Certains d`ailleurs sont sur deux étages: le "Colombia Carousel", le " California`s great america", Californie, entre autre. La période zénith du carrousel se situe au début du vingt ième siècle, surtout aux E-U. Les artistes américains et européens ( peintres,sculpteurs etc.), ont largement contribué à cet essor. Certains vieux manèges existent encore aujourd`hui et sont exposés à notre admiration à tous. Le plus anciens et toujours en état de fonctionnement, se trouve à Prague, dans le parc Letna. (source des informations: Wikipedia. Carrousel à l' ancienne, avec échelle, étage, et sa cabine-caisse. La Rochelle, France. Place du Verdun. Auteur de la photo: Jebulon. Licence photo:http://creativecommons.org/licenses/by-sa/2.0/deed.fr

  • Le cheval de Dalécarlie. Suède. -
    L`histoire du cheval de Dalécarlie remonte au dix-huitième siècle. On attribue son origine aux soldats. Durant l`hiver 1716, le roi Charles V11 de Suède menait de lourds combats contre plusieurs pays d`Europe et les soldats demeuraient chez les habitants de la ville de Mora. La nourriture se faisait rare et de plus, l`hiver était rude. Un soldat s`amusa à sculpter un cheval dans un morceau de bois, ensuite il l`offrit au plus jeune enfant de la famille chez qui il demeurait. Pour le remercier, la mère de l`enfant, lui offrit un bol de soupe. Le soldat sculpta un autre cheval et se vit offrir un autre bol de soupe. Les autres soldats aux alentours, se mirent à en faire autant, en échange de nourriture. Au début, les figurines étaient en bois brut. Au dix-neuvième siècle, on se met à les peindre pour les rendre plus jolies. A cause de la présence de mines de cuivres dans les environs, on opta pour le rouge comme couleur de fond. On rajouta par dessus ce rouge, d`autres motifs de couleur vive. Le cheval de Dalécarlie devint de plus en plus populaire lorsqu' ìl fut choisi pour figurer sur le stand de la Suède lors de l`exposition de Paris au dix-neuvième siècle. Depuis, l`art de sa fabrication se transmet de génération en génération et il est une tradition toujours très vivante en Suède. Il est un symbole non-officiel de ce pays et les touristes l`achètent volontiers. Sa fabrication va comme ceci. Sur un bloc de bois, on trace la silhouette du cheval. Ensuite, ces blocs sont confiés à des artisans qui sculptent à la main, les chevaux. Par la suite, ils repartent vers l`atelier où ils sont immergés dans de la peinture rouge, à trois reprises. Le bois utilisé pour leur fabrication est le pin. Il doit sécher 3 ou 4 semaines avant l`étape de la peinture, pour éviter qu`il ne fasse fendiller la peinture. Il ne reste plus qu`à peindre les motifs. Ce sont des artistes qui s`en occupe. Chaque cheval est unique puisque tout le travail est fait à la main. Maintenant, on en peint de toutes les couleurs, mais le cheval rouge traditionnel demeure le plus vendu. source et photo: Wikipedia.

  • Origine indienne. -
    Ce cheval est une très grande pièce. Malheureusement, la photo ne permet pas de l`apprécier à sa juste mesure. Il a été crée à partir de vieux teck recyclé. Le teck est un arbre de l`Asie tropicale, fournissant un bois très dur, très résistant à la décomposition.

  • Eugeniusz Waniek. -
    ?Eugeniusz Waniek est né en 1906, dans la ville Ustrzyki, aux pieds des Carpates du Sud-Est de la Pologne. Il vit et travaille à Kracow(Cracovie). D' étudiant, il devient professeur à l' école des beaux-arts de Cracovie. Il était aussi dessinateur, pédagogue et scénographe. Avant la seconde guerre mondiale, il était co-fondateur du 1er groupe de Cracovie. Pendant toutes les années tourmentées de la seconde guerre, il réside dans sa ville natale: Ustrzyki. Il a appartenu à la résistance polonaise l' armée du territoire. Après la guerre, il va retourner à Cracovie, où il travaillera, enseignera, vivra. L' extermination des juifs, la déportation de sa famille, ont marqué son oeuvre. Waniek ne suivra jamais aucune mode artistique. Il était souvent nommé comme expert dans les commissions artistiques et curateur de plusieurs expositions. Eugeniusz était également un grand connaisseur de l' art de l' antiquité, de l' art européen et de l' art polonais des dix-neuf ième et vingt ième siècles. En Janvier 1998, une grande rétrospective des oeuvres de cet artiste a été présentée au musée historique de Cracovie. Oeuvres datées de 1960 à 1998. L' artiste est décédé à 103 ans. Titre de la photo: La couturière.

  • Olga Boznanska. -
    Olga Boznanska, grande dame de la peinture polonaise. Elle fait ses études à Munich, où elle remporte ses premiers succès artistiques. L' amorce d' une belle carrière. De nombreux prix récompensent l'artiste. En 1898, Olga Boznanska s'installe définitivement à Paris. Elle devient membre de l' Association des Artistes Polonais Sztuka . En 1901, elle est membre de la Société Nationale des Beaux Arts. L' artiste est parfaitement à l' aise dans deux cultures, deux pays. La légion d' honneur lui est octroyé en 1910 et en 1938, elle reçoîe la Polonia Restitua . On la considère comme une portraitiste. Elle a une connaissance parfaite des sujets qu' elle peint. Ses modèles empreints de tristesse font ressortir leur féminité. En 1889, le tableau fleuriste est fortement inspiré par l' art japonais, qui était très à la mode à la fin du siècle. On retrouve la délicatesse du dessin, des éléments justement accentués. L' oeuvre intitulée Autoportrait au parasol japonais en 1892, manifeste bien cette grande influence de l' art japonais dans ses oeuvres. Les couleurs sont subtiles et mettent en valeur l' élégance de la femme assise. Elle est experte dans la pose du modèle et les contre-jour. L' artiste apprécie particulièrement le poète Maurice Maeterlinck, dont elle crée un idéal moderne en couleurs, là où lui, utilisait les mots. Ses modèles sont toujours nostalgiques, dans la tonalité triste et terne. Elle peint aussi des paysages et des natures mortes. Elle demeure jusqu' à la fin de ses jours à Paris, mais elle reste en contact permanent avec Cracovie. Ses toiles sont toujours très aimées en Pologne, encore aujourd' hui.

  • Marionnette de Birmanie. -
    On distingue trois grandes familles de marionnettes : les marionnettes à cordes, les marionnettes à tige et enfin, les marionnettes à gaines. Dans tous les pays du monde, l' art de la marionnette a occupé et occupe encore une grande place dans les activités sociales, culturelles et même militantes des citoyens. Comment ne pas être touché par ces drôles de personnages qui s' activent au moyen de l' énergie humaine et à qui, on fait dire et faire, toutes sortes de choses selon notre imaginaire. Des écoles de fabrication et de maniement de marionnettes ont été construites, des théâtres ont été érigé pour donner des représentations, et que sais-je encore? L' art de la marionnette est un art majeur, il serait bien étonnant de trouver un seul pays qui n' ait pas son contingent de marionnettes, pour le plaisir, mais aussi pour le pouvoir de transmission de connaissance qu' elles apportent. Nous débuterons notre survol sur les marionnettes par celles de Birmanie. Dans ce pays, les spectacles de marionnettes sont une tradition très importante. Les représentations peuvent durer toute le nuit dans les villages. Lors de ces spectacles, les personnages servent à présenter des légendes Bouddhiques, du Yamasat ou du Ramanayana Indien. De nombreux entractes sont offerts aux spectateurs, qui assistent alors, émerveillés, aux danses des marionnettes. Les personnages sont habillés de tissus ou d' habits brodés finement, avec perles, paillettes et pierres précieuses en verre. ( source et photos) : catalogue marionnettes.

  • Les marionnettes en Chine. -
    La Chine a une longue tradition de l' art de la marionnette. Les personnages sont réalisés avec une grande dextérité et un grand raffinement. Dans ce pays,le théâtre et l'opéra sont des arts qui ont toujours été très proches. La marionnette à gaine est apparue dans la région du Fu Jian, au XV1ième siècle environ. Au début, les spectacles étaient très rudimentaires. Par la suite, ils sont devenus des sortes d' opéra en miniature, avec chants, danses et acrobaties, exprimant les drames aussi bien que les comédies. Les marionnettes à gaine servaient souvent lors des fêtes religieuses, pour tenter d' amadouer et de divertir les dieux. Ces spectacles avaient l' avantage d' être peu coûteux, comparés aux opéras. Les marionnettistes ont poussés très loin le souci d' esthétisme et de raffinement de la marionnette. Jusqu'à faire porter aux figurines, des sous-vêtements luxueux, pour confirmer leur statut de véritables comédiens. Malgré la ressemblance entre le théâtre de marionnette et l' opéra, les marionnettistes sont parvenus à faire de leurs créations, un art à part entière, tout simplement magnifique. Voici un magnifique site sur les marionnettes du monde, d' òu provient cette photo: http://www.theatre-louis-richard.com/spectacles/deuxmains.html

  • Les marionnettes au Mali. -
    Au Mali, la création des marionnettes est attribuée aux génies de la brousse, qui enlevèrent un pêcheur Bozo. C' est lors de ce contact avec eux, que l' homme aurait appris cet art. Il aurait ensuite enseigné les techniques de fabrication de marionnettes aux sculpteurs et forgerons de son village. Selon la tradition, elles sont une sorte d' intermédiaire entre les dieux et les hommes. Le théâtre de marionnette au Mali, est le centre de cérémonies secrètes et mystérieuses, célébrées par les jeunes. Ces jeunes initiés sont tenus à l' écart du village pendant un long moment. Pendant ce retrait, ils apprennent alors le rôle qu' ils auront à jouer dans la société, la relation entre les hommes et les animaux. Ils apprennent aussi la symbolique de ces animaux, transposée dans l' imaginaire Bambara. A l' aide de ce véhicule qu' est l' art de la marionnette, les aînés exercent un pouvoir de contrôle sur la société. Aujourd' hui encore, ces figurines servent à l' initiation des plus jeunes, par le biais de contes et légendes. Le théâtre de marionnette permet même de régler quelques conflits naissants. ( photo: http://www.artspremiers.net )

  • Un sculpteur époustouflant. -
    .La sculpture africaine est un art d' excellence, réputée en Afrique, mais aussi dans l' ensemble du monde. Les cubistes, les dadaïstes de l' art moderne occidental , s' en sont inspiré abondamment dans l' exécution de leurs oeuvres. L' ensemble de l' art africain, en fait, pourrait servir de trame de fond à l' élaboration des oeuvres contemporaines. Encore de nos jours, de nombreux artistes puisent à même ces trésors de l' inventivité et de l' imaginaire africain. Un bel exemple de talent particulier: le sculpteur sud-africain, DYLAN LEWIS dont vous apercevez quelques-unes des oeuvres. Son matériau de prédilection : le bronze, avec lequel , l' artiste fait un travail remarquable. Son sujet favori: le chat; les gros comme les petits. Dans ce cas-ci, son modèle est le léopard. Né à Johanesburg en 1964, il est issu d' une famille d' artistes accomplis. Il a pratiqué la taxidermie pendant longtemps, activité qui lui a permis de connaître à fond ses sujets. Il a travaillé également à la réservation de la nature à Rondevlei, pendant quatre ans. Plus tard, il voyage en Europe, étudiant l' art des musées. Maintenant, il possède une ferme, son studio, ainsi que sa propre fonderie, dans laquelle, il moule ses pièces. L' observation et l' étude de la nature sont constantes dans l' existence de Lewis, et présentes dans toutes ses oeuvres. Les textures de ses sculptures quant à elles, évoquent les paysages primitifs, accidentés du continent. Il a exposé chez Christie, à Londres, en 2007.

  • Georg Baselitz. -
    ??Georg Baselitz est né le 23 Janvier 1938 à Deutschbaselitz, dans la ville de Kamenz, en Saxe. Né en RDA, il ira vivre plus tard en Allemagne de l' ouest. Sa carrière prend de l' ampleur, surtout à la fin des années 80. Un de ses autoportraits lui vaut la saisie par la police allemande: il s' était dépeint en jeune garçon en train de se masturber. Il était en avance sur les mentalités de l' époque, et cela créait souvent des remous. Baselitz ne dédaignait pas provoquer la controverse autour de lui. Vers 15 ans, il peint des portraits, des sujets religieux, des natures mortes et des paysages. Ensuite, il étudie la peinture, mais il est expulsé de l' école pour immaturité socio-politique. ( Une forte personnalité, de toute évidence, ce jeune homme.) Il est admis dans une autre école d' art de Berlin-Est. C' est à ce moment qu' il commence à peindre avec le style qu' on lui connaît maintenant: des personnages plutôt floues, très contrastées, et présentés dans un décor inconsistant, et souvent , la tête en bas. En 1961, il expose ses oeuvres dans une maison abandonnée. En 1963, une exposition de Baselitz provoque un énorme scandale publique. Des toiles sont saisies par la police. Encore une fois, les peintures saisies sont des nus. Elles lui sont rendues plus tard. Il est vrai qu' entre-temps, les mentalités commençaient à bouger par en avant. Pendant un bon moment, ensuite, il réalise des eaux-fortes de personnages célèbres. Ces expositions font le tour du monde, et ne passent jamais inaperçues. Pour lire toute la biographie de ce bouillant artiste: Je n' ai pas pu trouver les titres des oeuvres, ni la date de leur exécution.http://fr.wikipedia.org/wiki/Georg_Baselitz

  • Anselm Kiefer. -
    ??Anselm Kiefer est né le 8 Mars 1945, à Donaveschingen. Il vit et travaille en France depuis 1993. La ville où est né l' artiste est située aux frontière de l'Autriche, de la Suisse et de la France. Cette dernière jouera un grand rôle dans la carrière de l' artiste et de son art. il entre à l' école des arts en 1966. En 1969, il prend une photo de lui en train d' exécuter le salut Nazi. Non pas pour exalter le nazisme, mais bien pour rappeler que celui-ci est toujours là, quoique silencieux. Ses toiles contiennent une foule de matières: du sable, de la suie, de la craie, des cheveux, cendres et matériaux de récupération. Ces oeuvres et surtout les matières qui les composent, évoques la destruction de la deuxième guerre, et surtout l' Holocauste. Il réalise également des sculptures monumentales en forme de tours et de maisons. La poésie est une de ses sources d' inspirations, il en intègre des extraits dans ses oeuvres. Le travail d' Anselm Kiefer est présent dans tous les grands musées du monde, notamment, le musée du Louvres, et ce, depuis 2007. Ses expositions sont une composition de sculptures , de tableaux et de constructions. Plus récemment, l' artiste a fabriqué des tours et des petites maisons, dans lesquelles, il a inséré des tableaux.( source du texte: wikipedia.)
    https://artsy.net/artist/anselm-kiefer

  • Milan Markovich. -
    Dès son plus jeune âge, Milan Markovic a la passion du dessin. Quelques années plus tard, il part aux Etats-Unis, pour apprendre les différentes techniques de peinture et de sculpture. Toute sa vie, l' artiste parcourt le monde, pour parfaire ses techniques de travail. Il expose beaucoup à Vienne. " A partir d' un fond gris et d' un modèle classique, je retravaille le sujet en l' épurant, pour aller à l' essentiel. Je crée du mouvement par la superposition de lignes et de textures différentes." affirme l' artiste. A chaque tableau, la lumière est différente et d' intensité variable. Tout comme les lignes et les couleurs. Sa peinture est figurative; elle prend ses sources dans l' art classique, mais avec une expression contemporaine. Site officiel de l' artiste http://www.milan-markovich.com/

  • Décès de l' artiste Bruno Gironcoli. -
    L' artiste Bruno Gironcoli, sculpteur autrichien, est décédé en 2010. Les vidéos sur le travail de l' artiste ne sont plus disponible en consultation gratuite, j' ai donc recherché des photographies qui donnent une bonne idée du travail du sculpteur. Bruno Gironcoli était celui que l' on surnommait: le constructeur de machines infernales, ou machines mystérieuses. Et de fait, ses pièces sont étranges, qui rappellent les visions d' un savant un peu fou. Elles méritent toutes notre attention. Vous trouverez à gauche, un excellent article sur les oeuvres de cet homme à l' intelligence immense et un peu effrayante. Sculpture de Bruno Gironcoli. A Donaucity-Vienne. photo cédée au domaine public, par son auteur: BambooBeast. Et ceci, dans le monde entier, sans restrictions d' usage. Propre travail de l' auteur de la photo. 2010. Site officiel de l' artiste:

  • Autre machine infernale de Bruno Gironcoli. -
    Donaucity-Vienne. Cliquer sur l' image pour l' agrandir. Auteur de la photo: BambooBeast.2010. Photo cédée au domaine public, dans le monde entier, en vue de n' importe lequel usage.

  • Oeuvre de Bruno Gironcoli. Donaucity-Vienne. -
    A la fin de sa vie, l' artiste était très préoccupé par la fécondité et la naissance. Ce qui ressortait beaucoup dans ses oeuvres Auteur de la photo: Bamboobeast. propre travail. 2010. Photo cédée au domaine public, partout dans le monde et pour n' importe lequel usage .

  • Eduardo Arroyo. -
    Eduardo Arroyo est né le 26 Février 1937 à Madrid. Il est peintre, lithographe et décorateur de théâtre. L' artiste a fui l' Espagne franciste en 1958. Depuis, il partage son temps entre Madrid et Paris. On le reconnaît comme l' un des représentants majeurs de la nouvelle figuration, et l' uns des fondateurs de la figuration narrative. Eduardo Arroyo est considéré comme l' uns des peintres les plus importants de l' Espagne contemporaine et sa renommée est grande en Europe également. Ecrivain, il a déjà plusieurs parutions à son actif, en Europe surtout. L' humour est présent dans toutes ses oeuvres, ainsi qu' un esprit parfois caustique et critique très développé. (Sources du texte: Wikipedia et encyclopédie universalis.) Entrevue vidéo Edouardo Arroyo.

  • Elaine Sturtevant. -
    Elaine Sturtevant est née à Lakewood , Ohio, en 1930. L' artiste Elaine Sturtevant est connue surtout pour ses reproductions d' oeuvres des autres artistes. Cependant, la femme a aussi ses propres créations, ses propres installations. Il s' agit d' une personne qui aime à demeurer énigmatique. L' artiste vit à paris, depuis une vingtaine d' années. Certains la trouve fascinante, d' autres critiques vertement le fait qu' elle reproduit les oeuvres des autres. Elle a débuté sa carrière en reproduisant les oeuvres de : Andy Warhol, Jasper Johns, Marcel Duchamp, Anselm Kieffer, et de plusieurs autres. Ses reproductions ont permis à certains artistes de se faire connaître et reconnaître,( car cette femme est réputée pour avoir un flair infaillible pour détecter le talent), et ce très tôt dans leur carrière. Ses installations quant à elles, amènent le visiteur à s' interroger sur sa vision de l' Amérique, de la violence et la haine. L' artiste possède une très grande dextérité technique, dans une pluri-discipline parfaite pour dépeindre le côté sombre de la société américaine . Critique dont elle témoigne dans ses propres oeuvres dont ;" House of horrors " 2009. Une grande exposition lui est consacré en France en 2010.( source des textes: événé.fr Photos, Wikipedia)

  • Jean-Michel Basquiat. 1960-1988. -
    Jean-Michel basquiat est né à Brooklyn, E-U, d' un père haitien et d' une mère portoricaine. Sa carrière artistique débute dans la rue en 1977. Il devient graffeur, musicien et acteur avant de se lancer dans la peinture, à 19 ans. C' est un type très polyvalent, il vend ses collages, des dessins, des t-shirts, joue de la clarinette et du synthé. Dans la rue, il se livre aux graffitis. Ensuite, les pans de murs extérieurs sont délaissés aux profits de la toile: il commence à peindre des tableaux. Il fréquente Andy Warhol, Francisco Clémente, et se distingue rapidement dans le mouvement néo-expressionniste. En huit ans, l' artiste crée un millier de peintures et environ 2000 dessins. Il est très prolifique. Il intègre des éléments figuratifs et expressifs dans ses oeuvres. Son style est plein de couleurs et fortement graphique, dans lequel l' artiste s' exprime au sujet de la bible, du vaudou, et des mythologies sacrées. Certaines de ses toiles intègrent les héros de la boxe et de la musique afro-américaine. On retrouve des influences de la bande dessinée et de la publicité, également dans ses oeuvres. il brûle la chandelle par les deux bouts, infatigable. A partir de 1981, son succès est fulgurant. Il est remarqué par les plus grands galeristes de la ville de New-York, tout le monde s' arrache ses toiles. Il meurt d' overdose à 27 ans, en laissant une abondance d' oeuvres équivalente à celle d' un artiste ayant eu 30 ans de carrière, d' art passionné. ( source: Retrospective Basquiat .

  • Alberto Guzman. -
    Alberto Guzman est un sculpteur péruvien qui vit à Paris depuis plusieurs années. Il est né le 4 Septembre 1927 à Piura, au Pérou. L' artiste, en plus de son métier de sculpteur, fabrique des bijoux, des meubles et des décors de théâtre. Alberto Guzman a fait ses premières études à l' école des beaux-arts de Lima et a exposé ses premières pièces, des sculptures abstraites en fer soudées, en 1953. Peu apres, il se tourne vers le bronze et le marbre. En 1959, une bourse du gouvernement français lui permet de venir en France, à Paris, où il commence à exposer ses oeuvres. De nos jours, plusieurs lieux publics de l' Europe ,possèdent des oeuvres monumentales de l' artiste; des fontaines, par exemple. Il a réalisé également un grand nombre de dessins à l' encre, la gouache et la mine de plomb. Un artiste très polyvalent. Alberto Guzman produit beaucoup de pièces uniques. Un excellent sculpteur. Sculpture gauche: Relief 101. 2005. Source du texte:Art aujourd'hui.info.

  • Milind Mulick. -
    Milind Mulick est un aquarelliste indien de Pune, près de Bombay. Son intérêt pour l' art remonte à loin, puisqu' il dessinait à cinq ans, et peignait des tableaux à treize ans. Il est le fils d' un peintre célèbre, Pratap Mulick, et il a été influencé par deux amis de son père, artistes eux-aussi. Les artistes occidentaux ont intéressé Milind Mulick avec passion. A l' origine cependant, celui-ci ne se destinait pas à l' art, comme vocation du moins, puisqu' il a fait des études pour devenir ingénieur. Après ses études, il s' oriente vers l' illustration architecturale et le design, tout en peignant et en enseignant. Il peint maintenant à plein temps, des paysages , des scènes de ville. Son style oscille entre l' impressionnisme et le réalisme. Il a exposé aux E-U, en Europe ainsi qu' au Japon. Il donne encore quelques cours privés à des étudiants. L' aquarelle à gauche: After the rain. http://www.milindmulick.com/

  • Berlin, capitale du street art. -
    Le street art est omniprésent à Berlin. Ce n' est pas pour rien que l' on surnomme Berlin la capitale du street art. La ville manque cruellement de galeries d' art; alors, les murs de la ville, les rues, le mobilier urbain, comblent ce manque criant. Les jeunes artistes surtout, sont particulièrement attirés par cette forme d' art, qui gagnent en popularité sans cesse, de par le monde Les grands circuits de promotion et de visibilité de l' art, galeries, musées, etc, présentent de plus en plus d' expositions de street art dans leurs murs. Et attirent une très grande clientèle, de tous âges. Les principaux créateurs de street art à Berlin, ne sont pas tous des novices; beaucoup d' entre-eux, au contraire, sortent des plus grandes écoles d' enseignement des arts, publiques et privées. Parmi ceux-ci, il serait difficile d' omettre l' artiste Blu. Blu, est un artiste pluri-disciplinaire, dont le vidéo Muto, vidéo d' animation en stop motion, a littéralement fait, et fait encore, le tour du monde. On lui attribut une facture enfantine en ce qui concerne le dessin, et un concept adulte dans la manière de présenter ses prises de position politiques. Mais qu' importe. L' artiste fascine. Quant à l' homme derrière les oeuvres, il se montre extrêmement discret. On sait de lui qu' il est italien, et a à peu près trente ans, et c' est tout. Il souhaite que le public porte son regard sur son travail plutôt que sur lui-même. Cette discrétion absolue, augmente bien entendu, le mythe Blu, comme il se doit. ( A gauche, oeuvre de Blu datant de 2009.)Site de la photo: grd403.wordpress.com

  • Patrick Dougherty. -
    Patrick Dougherty est un artiste américain né en Caroline du Nord. Il construit des sculptures temporaires et adaptées aux sites naturels qu' il choisit. Les matériaux utilisés pour la fabrication de ses oeuvres proviennent des alentours de ses sites. Dougherty a à son actif, environ 200 oeuvres actuellement, réparties un peu partout dans le monde. Son art varie au gré des saisons, des paysages, et ces variations dépendent aussi des matériaux disponibles. Toutes ses oeuvres sont uniques. L' artiste dialogue par le biais de son art, avec l' environnement. On l' appelle sculpteur de la matière naturelle. En général, les arbres qu' il sélectionne pour ses tissages végétaux sont: le saule, le noisetier, l' orme et l' érable. Ses oeuvres sont gigantesques; elles peuvent atteindre 10 mètres de haut. Il a toujours besoin de bénévoles pour réaliser ses oeuvres colossales, car le travail est immense: collecte de matériaux, transport de ceux-ci, fondation, tissage, etc. Il s' agit de la part de l' artiste, d' un véritable travail de vannerie. Ses oeuvres sont très impressionnantes à voir, et évoquent souvent la culture tribale et primitive. Quelquefois, l' artiste présente ses oeuvres dans des centres d' exposition, en milieu urbain. Un excellent artiste du Land art. Oeuvre à gauche: Callofthewild. Au museum of glass, Tacoma,Wa. années 2000. Photo: Duncan Price. Cliquer sur la photo pour l' agrandir. site officiel de l' artiste: Site officiel Dougherty.


  • Robert Smithson. -
    Robert Smithson naît à Paissac dans le New Jersey, en Janvier 1938. Il meurt en 1973, dans un accident d'avion. L' artiste étudie la peinture `A New-York. Jusqu' en 1966, ses peintures sont issues du courant art expressionniste abstrait. Ensuite, il s' intéresse à l' art minimal. Intérêt qui transparaît dans toutes ses oeuvres, par la suite. Début 1966, il crée un art dont le matériau principal est le paysage. On nomme ses travaux Eartworks, c' est-à-dire: ouvrage de terre.Ses oeuvres à ce moment, sont des oeuvres sculpturales essentiellement, et non-utilitaires. Elles sont gigantesques, construites avec de la machinerie lourde, dans des lieux désertiques, très loin des zones habitées. Il travaille dans les carrières, les lacs et les bassins industriels. Sa Spiral Jetty, une courbe de galets cernée d' eau rose et bleue, réalisée en 1969 et 1970, au bord du Grand lac salé, est devenue " le symbole" du Land Art. Source du texte: http://www.moreeuw.com Pour consulter une biographie très complète de cet artiste: biographie Smithson-wikipedia.

  • Magda Saadeldin. -
    L' artiste Magda Saadeldin a un CV impressionnant. Elle a fait ses études à la faculté des Beaux Arts d' Alexandrie d' où elle ressort avec un baccalauréat. En 1982, elle reçoit un diplôme de l' institut supérieur de la critique d' art. Elle entreprend ensuite une maîtrise en art ancien et moderne, et est reçue en 1985. En 1990, elle poursuit ses études en visant le doctorat cette fois, en philosophie de l' art, à l' académie des arts. Etude réussie, encore une fois. Magda Saadeldin est professeur à l' institut supérieur de la critique artistique de l' académie des arts. Elle donne également des conférences sur l' art égyptien moderne. Elle poursuit sa spécialisation en art en faisant de nombreuses études particulières sur l' art, et ce, partout dans le monde. De plus, elle produit et expose. Elle a à son actif plusieurs expositions personnelles et elle a participé à plusieurs expositions collectives. Une artiste très assoiffée de connaissances. Je vous recommande de visiter son site web, il est intéressant à consulter. Les photos présentées proviennent du site de l' artiste.Site officiel Magda Saadeldin.

  • Ahmed Abdel-Wahab. -
    Ahmed Abdel-Wahab est l' un des plus éminents sculpteurs contemporains égyptiens. Son travail consiste à rechercher l' expression d' une sculpture égyptienne pure. Il affectionne les traits contemplatifs, nobles. L' artiste travaille ses modèles de différentes manières, respectant toujours méticuleusement le caractère méditatif de ceux-ci. Ses oeuvres, en relief, se relient à ses bases en triangle et en losange. L' artiste n' aime pas s' attarder aux détails, préférant s' attarder au bloc principal, créer des effets d' ombre, et ce, afin d' accentuer l' effet de mysticisme. Il utilise plusieurs matériaux différents: l' argile, la pierre, le polyester avec du métal. Excellent sculpteur. Ahmed Abdel-Wahab s' est mérité le prix du mérite artistique, en 2002. ( source du texte et photos: bibliothèque Alexandrie)

  • Richard Baquié. -
    L' artiste Richard Baquié naît en 1952, dans la cité phocéenne. Il décède tragiquement en 1996. Il passe souvent pour un ludique. Après ses études aux Beaux-Arts, de sculpteur, il devient bricoleur. Et vraiment un touche-à-tout, construisant des machines, en utilisant des matériaux recyclés et la métaphore, qu' il manie avec grand talent. Ces phrases-choc qui frappent l' imaginaire des observateurs, sont souvent hardiment découpées dans la tôle. Ses avions mobiles, ventilées, donnent le portrait d' un homme à l' humour éclatant et à l' ingéniosité omniprésente, toujours partagé entre vertige et réalité. Je fabrique des machines pour créer des situations. Je cherche une sculpture qui agit. citation du texte original. Avec des amis, il fonde le garagisme, ou sculptures de série B, ( ce qui démontre bien son humour), Les oeuvres issues de ce mouvement se marient étroitement avec l' outillage du garagiste, beaucoup plus qu' avec l' art traditionnel. Cependant, en son for intérieur, l' artiste est un homme à l' âme plutôt sombre et tourmentée, avec diverses obsessions, qu' il laisse entrevoir dans ses oeuvres. L' oeuvre globale de Richard Baquié est étendue et variée, et pas toujours appréciée des gens qui l' entoure. Une installation composée d' une voiture engloutie dans un amas de béton, fut démolie purement et simplement, par les habitants du quartier où avait été réalisée l'oeuvre controversée. Néanmoins, la plupart des oeuvres de l' artistes n' ont pas subies le même sort, heureusement. Son oeuvre abonde et ses nombreux carnets témoignent des passions, comme des réflexions de l'homme , à l' imagination exaltée. L' artiste a beaucoup voyagé, mais Marseille a toujours été sa ville de prédilection. Un artiste intéressant à découvrir. L' oeuvre à gauche: Composition. Média: Assemblage. Cliquer sur la photo pour l' agrandir. Site des photos: arnet.fr Je vous invite à lire le texte en entier: article Lorence Cabidoche.

  • Bruce Krebs -
    Cliquer sur la photo de gauche pour l' agrandir. Bruce Krebs est un sculpteur qui utilise plusieurs matériaux pour réaliser ses oeuvres: le bronze, le plâtre, le polyester, entre autre. L' artiste a un assez large éventail de pièces à son actif, et ceci, dans des styles très différents. Son site officiel est bien fait, et les oeuvres qu' il nous propose sont agrémentées de commentaires personnels. L' artiste explique la démarche de ses créations, en montrant celles-ci à différentes étapes de fabrication. Quelques une de ses pièces sont issues de concepts plutôt complexes et plus ou moins intéressants. J' ai préféré pour ma part, les oeuvres plus simples, sobres, car elles ont davantage de force, autant en matière de concept, que de perception de celui-ci. La dextérité du sculpteur est évidente, ses sujets très larges, peut-être même, un peu trop . Néanmoins, ses sculptures sont belles. Le porteur de masque ( à gauche) est unes de ses plus belles pièces à mon avis, parce qu' elle est simple, bien structurée, avec juste ce qu' il faut de détails. Même chose pour la marée noire. L, artiste fait du bon travail. Je vous recommande de visiter son site, et de vous faire votre propre opinion. site officiel Bruce Krebs.

  • Hannah Höch. -
    D' abord, l' artiste allemande Hannah Höch. L' artiste naît le 1er Novembre 1889, à Gotha , Allemagne. Elle meurt le 31 mai 1978, à Berlin. Elle était classée comme plasticienne Dada. Hannah höch est issue d' un milieu provincial et bourgeois. L' artiste s' inscrit à l' école d' Arts appliqués de Berlin, dans la discipline du dessin sur verre, la calligraphie et la broderie. Au moment de l' entrée en guerre de l' Allemagne, elle s' enrôle auprès de la croix-rouge. Ensuite, plus tard, elle retourne à Berlin, pour continuer ses études en Arts. Elle rencontre Raoul Hausmann avec qui elle s' installe. En 1916, elle travaille pour un éditeur berlinois de journaux et pour le département d' artisanat, où elle produit des motifs de crochet et de broderie, pour des magazines. C' est avec Hausmann qu' elle développe sa technique de photomontage et de collage, qui deviendront sa marque de fabrique. Cet art devient dans ses mains, un outil de critique politique et social. Ses préoccupations premières concernent la place de la femme, la femme moderne, la liberté de celle-ci et l' égalité des sexes. Elle dénonce vertement la misogynie et le machisme qui sévit à l' époque. Hannah Höch participe activement aux manifestations dada qui sont fréquentes à Berlin. Elle adhère au mouvement Novemgruppe, participant aux expositions. Lors du déclin du mouvement dada, elle joint le courant Da Stijl, des Pays-Bas. En 1926, elle s' installe à La Haye, partageant sa vie avec l' écrivaine Til Brugman.

  • Marcel Duchamp -
    Marcel Duchamp est un peintre plasticien, homme de lettres français, naturalisé américain en 1955. L, artiste invente les ready-made, ce qui contribue à développer ce qui deviendra l' art contemporain. Marcel Duchamp est né le 28 Juillet 1887 à Blainville-Crevon( Seine -Maritime). Il meurt le 2 Octobre 1968. L' artiste est issus d' une famille de 6 enfants, dont plusieurs deviendront des artistes peintres et sculpteurs de talent. C' est d' abord dans sa famille que le jeune garçon entreprend l' apprentissage de la peinture. Plus tard, il fréquente les artistes cubistes Fernand Leger, Robert Delaunay, qui influence son art. Il expose avec le groupe Section d' or en 1912 à Paris. C' est cette même année qu'il découvre Raymond Roussel et Jean-Pierre Brisset, dont l' influence est majeure, et le restera toute sa vie durant. En 1913, à New-York, son NU descendant un escalier provoqie un scandale. En 1913-1915, il abandonne la peinture pour créer ses premiers ready-made: objets d' usages courants, qu' il choisit pout leur manque d' esthétisme artistique. Par exemple: Roue de bicyclette(1913) , porte-boutelles 1914), Fontaine 1917 ( un urinoir renversé,) etc. Inutile de préciser qu' il s' est fait claquer la porte au nez par de nombreux centres d' expositions, avec ses oeuvres controversées. Il a beaucoup influencé le courant dada. Duchamp était préoccupé par le temps, la vitesse, la décomposition des mouvements. En 1925, il produit un unique film expérimental Anemic cinema, qui est une succession de plaques rotatives, qui comportent des jeux optiques, de la géométrie. Par son travail de réflexion, Duchamp prépare l' art conceptuel, le pop-art. Ces deux formes d' art s' inspireront largement des oeuvres de l' artistes. ( Pour lire la biographie en entier: biographie Marcel Duchamp.

  • Sophie Taeuber-Arp -
    Sophie Taeuber est née le 19 Janvier 1889, à Davos en Suisse. Elle meurt en 1943 à Zurich. Elle est une artiste peintre et sculpteur suisse, membre du mouvement Dada, ensuite du courant surréalisme. L' artiste étudie les arts appliqués à Minich et Hambourg, où elle s' initie à la danse d' expression. Elle s' installe à Zurich en 1915 et son talent de danseuse lui ouvre les portes du cabaret Voltaire. Elle danse sous un pseudonyme pour ne pas nuire à sa réputation à l' Institut des Arts Appliqués où elle étudie toujours. Elle rencontre Jean Arp et se marie en 1922. Les deux artistes sont membres de Dada. A la fin des années 20, Sophie Taeuber vit à Paris. Elle ne danse plus, mais continue son travail d' artiste Dada. Ses oeuvres sont composées de formes abstraites géométriques. En 1930, elle sympathise avec le mouvement constructiviste. Elle publie un journal Plastique. En 1940, le couple Arp s' enfuit en Dordogne et ensuite sur la Côte d' AZur. En 1941, elle crée avec une amie, une colonie d' art à Grasse en France. Elle meurt à Zurich, intoxiquée par un poêle à bois défectueux. Le billet de 50 francs suisse, représente le visage de l' artiste depuis 1955. ( source du texte: Wikipédia.) vidéo rétrospective oeuvres Sophie Taeuber-Arp.

  • Naissance de la sculpture moderne. -
    Photo gauche: La guitare de Picasso. 1912. Cliquer sur la photo pour l' agrandir. Jusqu' à la création de la guitare de Picasso, la sculpture consiste à retirer de la matière à un volume, afin d' en dégager une forme. De plus, la sculpture est essentiellement figurative, réaliste. Avec la guitare,, Picasso fait exactement le contraire. Il crée une forme, en ajoutant de la matière; c' est-à-dire, en assemblant des matériaux pour former une sculpture. L' artiste, avec sa création toute nouvelle, allait modifier et renouveler cet art, en lui donnant un nouvel élan, inspirant bon nombre de sculpteurs, au cours des décennies suivantes. De plus,à cette époque, la norme veut que la sculpture se travaille avec des matériaux que l' on dit nobles. L' artiste espagnol, lui, utilise plutôt des matériaux nouveaux, de récupération: vieille tôle découpée, carton, papier journal, fil de fer etc. Voilà ce qui tranche fermement avec les coutumes habituelles. La guitare est un thème très cher à l' artiste durant les années 1912-14, autant dans sa production artistique, que dans sa vie personnelle. Il fait de nombreux croquis et études cubistes, avant de créer sa première sculpture sur ce thème. Celle-ci est réalisée d'abord en carton, puis le thème est repris quelques mois plus tard, sous la forme d' une guitare construite en tôle découpée, assemblée par soudure, agrémentée avec du fil de fer. Le tout bien entendu, avec la technique cubiste, des formes décomposées et recomposée, en plans, géométriques . C' est à partir de cette oeuvre, que les historiens de l' art, en général, identifient la naissance de la sculpture moderne. Quoique marquante, cette étape n' est que le commencement d' une formidable avancée dans cet art majeur. En effet, ce point de départ, permettra à de grands créateurs de pousser encore plus loin, l' ingéniosité, la curiosité et les idées nouvelles en matière de sculpture, et de révolutionner les façons de faire. Nous verrons quelques-uns de ces créateurs qui ont émergé de ces années fertiles en renouvellement artistique.




  • Partons, la mer est belle... -
    Les figures de proue sont la représentation emblématique d' un navire, sa marque de commerce, en quelque sorte. Ces sculptures ornent la proue des navires depuis la nuit des temps, et revêtent une importance de premier ordre, autant pour les observateurs, que pour les marins eux-mêmes. Ceux-ci sont généralement très fiers de leurs figures de proue, et en prennent grand soin, en les astiquant sans cesse. Elles comptent autant dans la reconnaissance d' un navire, que le pavillon hissé au sommet du mât principal; servant ainsi à s' identifier auprès des autres bateaux. Mais outre la reconnaissance, ces figures de proue, jouent un rôle protecteur, visant à assurer la survie des marins en mer. Les représentations humaines sont souvent utilisées ; parfois, le corps est représenté entier, parfois, seulement le buste. Les figures animales sont fréquentes aussi, représentations souvent mi-réalistes, mi-mythiques. La plupart du temps, ces sculptures sont réalisées en bois, mais parfois, la pièce en bois, ne sert qu' à réaliser une sculpture en bronze, par la suite. Aujourd' hui, on utilise souvent des matériaux de synthèse pour les construire. Ces représentations sont de véritables oeuvres d' art, travaillées par de grands artistes, dont le talent est mis à contribution, afin de personnifier les lettres de noblesses, nécessaires à un navire. De tout temps, la navigation maritime occupe une grande place , et ce partout dans le monde. Au vingtième siècle, les moyens modernes et aéroportés permettent de franchir les océans, mais ce n' était pas le cas les siècles précédents; les navires étaient le seul moyen de les franchir. Rien de plus naturel, dans ce cas, que de vouloir donner une figure protectrice, une sorte de talisman, une force vive à un bateau, afin de l' aider à affronter les nombreux dangers qui menacent au grand large. Et de plus, ces figures protectrices sont fort belles et d' apparences très variées. Vous en verrez dans cette page, des anciennes, et aussi des modernes. Mais qu' elles soient anciennes ou récentes, elles sont toutes fascinantes à voir. La photo de gauche appartient au détenteur de copyright: Capitaine Hervé Cozanet. Figure de proue du bateau La recouvrance. Prière de demander son autorisation pour la publier sur le net. Pour le rejoindre:http://www.marine-marchande.net/

  • Les vikings. -
    Les vikings ont pendant longtemps inspiré une véritable terreur sur les mers et océans. La réputation de grands navigateurs et de grands guerriers est accolée à leur peuple depuis des siècles. Les vikings ont construit un grand nombre de navires de formes et d' usages divers, dont le drakkar. Ce nom provient d'un terme français qui voulait donner une consonance scandinave à des navires possédant une figure de proue en forme d' animal. Les vikings utilisaient surtout la figuration du dragon, du serpent, du bison et du bélier. La plupart des bateaux vikings n' avaient pas de pont, les rendant ainsi beaucoup plus légers et maniables, permettant de naviguer facilement en amont des fleuves. Leur forme mince, leur construction rudimentaire, cette légèreté typique, les rendait ultra-rapides, mais non- insubmersibles. Beaucoup ont sombré dans les tempêtes. Ils utilisaient une grande variété d' essences de bois pour la construction de leurs navires et figures de proue: le chêne au Danemark, le pin en Norvège, la coque était souvent en frêne. Sapins, bouleaux, érables et tilleuls étaient utilisés pour la fabrication des autres parties de ces navires. Des rivets de fer, constituaient l' ensemble du soutient de toutes ces pièces assemblées. Assez surprenant, les voiles étaient en feutre, et sur les navires riches, en lin. Les marins dormaient sous un bâche, dans des sacs de cuir. La navigation ne devait pas être de tout confort, dans une installation aussi rudimentaire; d' autant qu' ils entreprenaient souvent des traversées très longues, de plusieurs mois. Néanmoins, on les appelait: les rois des mers. Le règne des vikings a duré trois siècles. Photo de gauche: authentique figure de proue viking, représentant un dragon. Site de la photo fermé depuis peu. Informations tirées d' un excellent site sur les navires, présentant des maquettes, avec une historique complète . Je vous le recommande.Site maquettes navires.

  • Belle figure de proue. -
    Photographe: Denys Liger. Prière de le contacter si vous désirez publier cette image sur le web.http://www.fond-ecran-image.com/


  • Le galion de Neptune. -
    . Auteur de la photo: Zil. Travail personnel, 2008. Licence photo:http://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0/deed.fr

  • Le Vasa. -
    Photo du navire Vasa. J' ai préféré montrer la poupe du navire, car elle était richement sculptée. Auteur de la photo: Andy Carvin. 2004. Cliquer sur la photo pour l' agrandir. Licence photo:http://creativecommons.org/licenses/by-sa/2.0/deed.fr

  • Histoire du Vasa. -
    Le Vasa ou( Wasa) est un navire de guerre suédois du XV11 ième siècle, construit pour le roi Gustave II. Le navire sombra lors de son voyage inaugural, sous les yeux épouvantés et médusés de l' immense foule venue assister à son départ, où il devait rejoindre les forces navales, durant la guerre de trente ans. Aussitôt levé l' ancre, le navire parcourut quelques centaines de mètres, puis chavira et enfin, coula par le fond, dans la mer Baltique. Le navire resta sous l' eau 337 ans, soit jusqu' en 1961, où après plusieurs tentatives de renflouage, il revit enfin, la lumière du jour. Les causes du naufrages possibles: bâtiment trop lourd, pas assez lesté: il était déjà instable dans le port, et n' a pas pu rester à flot en eau plus profonde et avec un vent plus puissant. Vint-cinq personnes au moins ont sombré avec le navire. Le Vasa était abondamment orné de sculptures à l' extérieur. Les essences de bois utilisées étaient: le chêne, le pin et le tilleul; certaines pièces immenses, étaient réunies par assemblage. La plupart de ces oeuvres se trouvaient sur le château arrière, les galeries et la poulaine. Deux figures d' Hercule se trouvaient sur le navire, ( en fait, elles y sont toujours), de nombreuses pièces à thèmes bibliques, des figures d' empereurs romains en garnissait l' arrière. Six maîtres sculpteurs ont travaillé pendant deux ans sur la réalisation des sculptures, sans compter les apprentis. D' ailleurs, tout le travail artistique est marqué par les différences de styles propres à chacun des sculpteurs, et qui rendent ces oeuvres, un peu moins homogènes. Pour en apprendre davantage sur ce navire, cliquer sur ce lien.Wikipedia le Vasa.

  • Le Cuauhtemoc -
    Cette photo est cédée au domaine public par son auteur: Delbarre Cedric (I,Ced033), 2007, travail personnel. Et ceci s' applique dans le monde entier..

  • Dernières oeuvres de l'artiste. -
    Hélène Roy est une artiste du Québec, originaire du Cap-de- la-Madeleine, et qui vit maintenant à Saint- Alphonse- Rodriguez, dans la région de Lanaudière. Elle travaille avec le multi-media: dessins, peintures, photos numériques, infographie. Son oeuvre s' articule autour du temps, inépuisable sérum nourricier, de la mise en place de séquences photographiques, qui se chevauchent, s' opposent, se superposent, et se revendiquent, les unes, les autres." Se contaminent entre elles." Hélène Roy. Créant ainsi, une nouvelle réalité, une nouvelle identité picturale, intemporelle.

  • Le condamné à mort. -
    Très belle oeuvre. Cliquer sur la photo pour l' agrandir. Oeuvre tirée de l' exposition : Selon Genet. Galerie L' oeuvre de l' autre, UQAC. Traduction visuelle du poème de Genet: Le comdamné à mort.


  • Alyona Azernaya -
    Les oeuvres de l' artiste Alyona Azernaya sont de très belles surprises; ( je ne la connaissais pas du tout, et sans doute, plusieurs d' entre-vous, non plus), et je l' ai découvert avec grand plaisir. Alyona Azernaya est une artiste peintre russe. Elle est née en 1966, dans la ville d' Ekaterinbourg. Son nom s' écrit de plusieurs façons différentes, ce qui peut prêter à confusion, lors de recherche. En matière de formation académique supérieure, elle passe un diplôme d' architecte, profession qu' elle exerce, un temps. Par la suite, elle se spécialise dans la critique d' art. Sa carrière d' artiste peintre, débute en 1990. Six ans plus tard, elle s' adonne à la peinture à temps plein. Son oeuvre est classée dans l' art naïf, et le symbolisme. Un style figuratif naïf, onirique, où figure la mythologie slave, les contes traditionnels et les récits bibliques. L' artiste possède une très belle maîtrise de la couleur et des motifs; talent inspiré de l' iconographie religieuse, dans la pure tradition russe. Des oeuvres d' Alyona Azernaya, se dégage une atmosphère onirique envoûtante, qui expriment bien la relation passionnelle entre l' artiste et les mythes de la génèse. Elle représente ces mythes dans des fresques magnifiques, aux couleurs du végétal, de l' animal, des divinités, secrètement cachées au plus profond du coeur des Hommes . L' artiste expose en Russie, aux E-U et en France. Un musée du New-Jersey a fait l' acquisition de plusieurs toiles de l' artiste, pour sa collection permanente. Une excellente artiste à découvrir. Photo gauche: L' arbre d' abondance. 2007. Cliquer sur la photo pour l' agrandir. auteur de la photo: Qqchose2sucre. Travail personnel.http://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0/deed.fr

  • Henri Rousseau. Moi-même.1890. -
    Huile sur toile. Cette photo est du domaine public , dans les pays où le copyright a une durée de vie de 70 ans et moins, après la mort de son auteur.




  • Josip Falica. -
    Les oeuvres de Josip Falica sont elles-aussi, de belles découvertes. Falica est un peintre croate, né en 1950, à Sv. Jana, près de Jastrebarsko. Son oeuvre est classée dans l' art naïf, mais il s' agit ici, d' un style naïf très élaboré, onirique. Contrairement à ce que l' on retrouve habituellement dans cette forme d' art, l' artiste exploite fortement la perspective dans ses toiles. Une perspective très correctement et somptueusement mise à contribution dans la construction de ses paysages. Notre regard plonge avec plaisir, dans ses lointains, si délicatement suggérés. Falica ne néglige pas la couleur; il en fait un usage magistral. Ses teintes, harmonieuses, dégagent une atmosphère fantasmagorique très puissante, très poétique. Un travail impeccable, une grande oeuvre, l' expression d' un songe magnifique. Josip Falica a une vingtaine d' expositions à son actif, depuis ses débuts, en 1974. En Croatie, comme à l' étranger. Ses oeuvres se retrouvent à l' Ireks Aroma, au Zagreb. Un excellent artiste de l' art naïf, et le mot est faible. Je vous suggère de visiter son site web, pour voir d' autres oeuvres de Falica. Les photos proviennent du site de l' artiste. Cliquer sur celles-ci pour les agrandir. Site officiel Josip Falica

  • Wilson Bigaud. -
    Ce serait un sacrilège, voire une hérésie, de parler de l' art naïf, sans mentionner Haïti, que certains qualifient de capitale de l' art naïf. Voir article plus bas. Disons plutôt que je vais vous présenter un artiste haïtien, qui a laissé sa marque. Wilson Bigaud est l' une des figures les plus illustres de l' art naïf en Haïti, et sans doute la plus connue, sur la scène internationale. Bigaud est né en 1931 à Port-au-Prince et décédé en 2010, après une carrière d' artiste peintre, bien remplie. L' oeuvre de Bigaud est abondante, et possède une cote très élevée sur le marché de l' art. L' artiste s' attarde à la narration et à l' expression du quotidien, du mouvement et du grouillement urbain, de l' exubérance et la volubilité de la vie en Haïti. C' est un coloriste et un dessinateur émérite qui a rapidement conquis les amateurs d' art, de partout. Bigaud a participé, avec l' aide de plusieurs autres artistes, à la réalisation des fresques de l' Eglise Anglicane: la Sainte-Trinité, à Port-au-Prince. Malheureusement, le séisme de 2010, a tout détruit. Bigaud est un grand peintre disparu, mais son oeuvre reste, qui inspirera sans doute d' autres artiste de partout et en Haïti, surtout. Espérons-le. photo gauche: Raras 1972. Collection Michel Monnin. Photo de : Bill Bollendorf. Cliquer sur les photos pour les agrandir. http://www.lehman.cuny.edu/ile.en.ile/arts/monnin_galerie_bigaud.html

  • Jeanne-Marie Robuchon. -
    Jeanne -Marie Robuchon est une artiste peintre, qui n' a pas de formation académique en provenance d' écoles d' enseignement des arts visuels, mais elle a suivi des cours de peinture, dispensés par des artistes de talent. Elle a été l' élève du peintre Philippe Lebasque ( à Auvers sur Oise), de Marianne Levexier, également d' Auvers, et de Bérangère Bloch, peintre et fille du peintre RR Bloch, à Montmorency. Mme Robuchon, est elle-même, une peintre de talent. Elle explore plusieurs facettes de l' art; peintures traditionnelles, portraits, paysages, Land art. Ses toiles sont très expressives, avec une gestuelle dynamique et inspirée, par ses sujets, une intensité palpable à chaque mouvement du pinceau. Ses oeuvres sont présentées avec une facture de professionnelle accomplie, et une virtuosité dans la capture de l' instantané, la spontanéité dans son art de peindre. L' artiste peint à l' huile, utilisant plusieurs techniques différentes pour créer ses effets sur la toile. Je vous invites à visiter son site officiel, sa galerie de peintures, où plusieurs oeuvres sont proposées. Malheureusement, aucun détail biographique n' est offert, sur son site; lacune, qui sera comblée bientôt. Une artiste intéressante à découvrir. Toile de gauche: Les toits de Paris. 2011. http://jeanne-marie-robuchon.fr/

  • Michèle Heim. -
    Les collages de cette artiste, sont un véritable régal pour l' oeil. Michèle Heim, est une artiste collagiste, extrêmement talentueuse. Malheureusement, il est pratiquement impossible de trouver des informations biographiques à son sujet. Pas même sur son site officiel. L' artiste anime des ateliers de collages, et elle a certes, toute l' expérience nécessaire , pour le faire. Dans les oeuvres de Michèle Heim, tout est question d' atmosphère et de densité. Ses oeuvres, naviguent entre une figuration semi-abstraite et une abstraction , semi-figurative. On a souvent l' impression de ressentir les paysages de ses oeuvres abstraites. Des oeuvres pratiquement inclassifiables. Il faut dire que l' artiste est très à l' aise dans cette nébuleuse artistique, qui en général , cause une peur bleue aux créateurs. Il n' y a pas de peur dans le geste de l' artiste, ni de tricherie; mais plutôt , une appropriation du non-défriché, la reconnaissance silencieuse, de ses méandres inconscients . De belles oeuvres, qui ne manquent pas de douceurs et de mordants. Je vous invite à visiter son site officiel, vous trouverez une grande quantité d' oeuvres, généreusement présentées, et plusieurs citations fétiches de l' artiste. Une très belle production à découvrir. Oeuvre de gauche: Blés,neiges et villes. 2008. Photos en provenance du site de l' artiste.Site officiel Michèle Heim.

  • Mireille Dubois-Vanhove. -
    Mireille Dubois-Vanhove est une artiste engagée depuis plusieurs années, envers les africains. D' ailleurs, elle a passé une grande partie de sa vie au Congo, trente ans, pour être plus précise,où elle a crée un atelier de céramique et de peinture. Les oeuvres de Mireille Dubois Vanhove, sont de véritables accroche-coeur, à lesquelles, il est difficile de résister, en admettant que nous en ayons envie. L' artiste est une bonne physionomiste et portraitiste, capable de faire passer ses émotions, capable même de nous forcer à regarder ce que nous ne désirons pas toujours affronter. Ses oeuvres sont des rappels, mille fois lancés, mille fois entendus, et mille fois oubliés, pour encore un moment...de la misère, cette éternelle pauvreté qui entrave toute tentative de vie. Son implication ne se borne pas à créer des oeuvres engagée. Elle remet intégralement les profits des ventes de celles-ci, à une ONG, consacrée aux victimes du sida, en Afrique. Une belle générosité, qui révèle une fois de plus, combien l' art peut et doit jouer un rôle actif dans le développement des sociétés. Bravo à Mireille Dubois-Vanhove, et espérons que ses appels soient entendus...Enfin. Son site officiel vous attend, avec une galerie bien fournie d' oeuvres humanitaires, à voir absolument. **Oeuvre de gauche: Tous concernés.Site officiel Mireille Dubois-Vanhove.

  • Françoise Larouge. -
    Les oeuvres collagistes de Françoise Larouge sont un univers à découvrir. Elles témoignent d' une vision globale du monde, et des nombreux affluents qui le traverse, charriant les soubresauts humains avec une délectation peu commune. Il n' y a pas de douleur dans les oeuvres de Françoise Larouge, mais ses oeuvres sont possédées par un mouvement formidable, qui draine le coeur et l' esprit. . Beaucoup d' élans vers d' autres ailleurs, qui nous ramènent inexorablement chez nous. Ses modes d' expression sont multiples: ironie, critique, satyre, humour. Ses thèmes sont d' actualité, ses intérêts intellectuels, illimités. Son énergie créatrice...un ouragan au mieux de sa forme. L' artiste désire faire voyager les spectateurs, dans l' imaginaire, dans le réel, dans le réel trompe-l' oeil. Son monde est le nôtre, turbulent,iconoclaste et constamment poussé à se dépasser, à faire éclater ses frontières, à se tromper, à recommencer. La femme est souvent au coeur de ses préoccupations , sans que l' on puisse véritablement lui accoler l' épithète de féministe. Peut-être plutôt celui d' une femme consciente de ce qu' elle est et ce qu' elle veut: une femme artiste qui a son propre monde à conquérir, et à faire découvrir, à ceux qui voudront voir au-delà de nos certitudes et de nos condescendances. Une très intéressante artiste à découvrir. Oeuvre de gauche: La cité des femmes. D' ailleurs, il est à noter que l' artiste est aussi une photographe de talent, dont vous pourrez voir les oeuvres sur ses blogs, En voici les adresses:http://francoiselarouge-collages.over-blog.com/





  • Une coloriste de talent. -
    ?Adèle Blais est une artiste peintre-collagiste du Québec, née à Montréal, en 1976. Son art s' apparente au Pop-Art; bien que certaines de ses oeuvres, seraient à classer plutôt dans l' art naïf. L' artiste est très polyvalente. Elle explore avec plaisir le figuratif et l' abstraction, et est visiblement aussi à l' aise, dans l' un comme dans l' autre. Elle utilise les techniques mixtes pour la réalisation de ses oeuvres. Les couleurs sont obtenues aux prix de multiples couches superposées, et les formes sont fortement appuyées par la ligne de contour, omniprésente, qui dessine les oeuvres. Adèle Blais affectionne les détails, les épaisseurs de peinture et les textures marquées. Quant à ses thèmes de prédilection, l' humour, les rapports inter-personnels et les décors urbains en constituent l' essentiel. Sans oublier les animaux . Comme tant d' artistes du Pop-Art, elle sait dénicher les figures populaires, mythiques, ayant marqué leur époque, comme par exemple: Elizabeth, Catherine de Medicis etc. Bref, une artiste à la production étonnante, vigoureusement soutenue par l' expression d' un art trépidant et passionné. Une production unique en son genre, que vous saurez apprécier et découvrir. Le Pop-Art est souvent l' expression de" coups de coeurs", pour des gens, des choses, générés par le mouvement spontané des masses populaires. Ces élans sont totalement irrationnels, mais puissants. Le Pop-Art met en lumière ces pulsations communes, qui soulèvent les populations, depuis la nuit des temps. Photo haut: Catherine De Medicis. Techniques mixtes. Série: Famille recomposée. 2008.

  • Des oeuvres très denses. -
    Les oeuvres d' Adèle Blais sont une explosion de couleurs et de rythmes endiablés. Elles accrochent le regard et hypnotisent instantanément. Les artistes du Pop-Art accordent une importance capitale à l' esthétisme et à la recherche plastique. Adèle Blais ne fait pas exception à la règle. Seulement, il faut reconnaître, que l' artiste est aussi très à l' aise dans l' économie de couleurs et de formes. Ses projections artistiques, s' accommodent tout aussi bien du ton neutre, des représentations dégagées, moins spectaculaires, que la grande envolée chromatique et l' espace pictural saturé. Ces oeuvres d' ailleurs, rappellent la nostalgie et le romantisme, des vieux clichés sépia, vibrants témoignages d' un passé oublié. photo gauche; La pianiste. Techniques mixtes. Série: Les ombrelles. 2011.

  • Plusieurs cordes à son arc. -
    Adèle Blais multiplie les sources d' inspirations. Les animaux semblent occuper une bonne place dans ses créations. La série Candide est particulièrement à même de démontrer tout le plaisir de l' artiste à peindre et à laisser vagabonder son imaginaire. Adèle Blais peint avec un enthousiasme contagieux. Un enthousiasme qu' elle sait nous faire partager. Une bonne artiste, avec des oeuvres sans prétentions, mais pétillantes et pleines de vivacité. . A voir. photo gauche: Boris le chat. Techniques mixtes. 2010. Série: Candide.



  • L' espace d' un moment. -
    Magdaléna Faye est une photographe française, autodidacte, qui pratique la photographie argentique, depuis maintenant, une dizaine d' années. Ses études universitaires lui ont permis d' approfondir sa technique photographique et ses connaissances de l' Histoire de l' art. Connaissances, qui ont en partie, alimenté ses sources d' intérêts. De simple hobby, la photo est devenue une passion permanente. L' artiste effectue elle-même toutes les opérations techniques liées à son travail: de la prise de vue, jusqu' au développement en chambre noire. Ses sujets de prédilection: les scènes de rue et les gens. Elle se concentre sur les poses naturelles, le pris sur le vif. Le comportement des gens qui ignorent la présence de l' objectif, ne ment pas, il exprime leur véritable nature. Certaines de ses oeuvres témoignent d' une mise en scène réfléchie et centrée sur la recherche d' effets photographiques et esthétiques bien précis. Mais dans l' ensemble, ses images traduisent la spontanéité. La séquence fragile et fugitive, du bref passage devant l' objectif. Photo gauche: Pluie.

  • Manège. -
    Cliquer sur la photo pour l' agrandir.

  • Mariage. -
    Cliquer sur la photo pour l' agrandir. Les photographies de Magdaléna Faye, possèdent d' excellents contrastes. N' hésitez pas à consulter son site officiel pour voir sa galerie.

  • Prises de vies citadines. -
    Cette photographie est amusante. Le rythme imposé par les vêtements carrelés et les chemises blanches qui s' interposent entre eux, est très habilement amené. Une prise de vue simple, conviviale, qui met bien l' accent sur l' idée générale. L' artiste sait bien cerner ses prises de vue citadines et présenter un portrait intimiste des personnages, qui passent devant son objectif. Plusieurs clichés véhiculent des émotions puissantes, que l' on ressent vivement. On a vraiment l' impression de regarder vivre les modèles, monsieur-madame-tout-le-monde, sans inhibitions, ni censures. De bonnes photos, et un talent qui ne demande qu' à grandir encore, au fil du temps et des poses. Photo gauche: L' arrêt du car.

  • Portrait d' enfant. -
    La photographe cultive dans ce cliché, la dépersonnalisation du sujet, le flou identitaire, qui donnent un cachet de mystère, très réussi , au personnage.

  • Les ailleurs révélés. -
    Née à Paris en 1949, Claudine Lehuédé, est une artiste peintre plasticienne, autodidacte, oeuvrant dans le domaine des arts, depuis plusieurs années. Elle a commencé son travail artistique par la création de mosaïques, la peinture sur verre, sur émaux, la peinture sur soie; bref, par l' exploration de nombreuses techniques d' artisanat d' art. La peinture sur toile est son art de prédilection depuis deux ans, maintenant. L' artiste n' a pas de formation particulière, en arts visuels. Cependant, la facture de ses pièces, elle, est bien celle d' une artiste ayant une formation particulière et professionnelle. Les oeuvres présentes sur cette page, sont ses dernières créations . Elles sont différentes de son travail précédent. Son intérêt pour la texture, le mouvement et la recherche plastique, est évidemment toujours présent, elle n' est pas une plasticienne pour rien. Cependant, dans sa production récente, sa préoccupation se situe plutôt au niveau de la création d' atmosphère, d' images aériennes, se rapportant au monde stellaire,minéral, le gouffre sulfureux des entrailles de la terre. Elle nous transporte dans ses ailleurs tumultueux et torturés. Un bel élan de liberté qui nous rejoint. Des images fortes. La nature et l' univers révélés; des explosions déchirantes ,chaotiques,impénétrables. Une oeuvre bien faite , aux évocations puissantes de l' infiniment grand. photo gauche: L' oeil du volcan. ( Les photographies proviennent des archives personnelles de l' artiste. Prière de la contacter, pour réutilisation sur le web.) Contact: http://claudine@c-lehuede-peinture.fr

  • De bonnes oeuvres plasticiennes. -
    Cette toile est tout simplement renversante.. Elle évoque à merveille, les courants chauds du Pacifique, et ses chapelets d' ilôts . La matière mélangée à la peinture, augmente la vraisemblance et la véracité de l' effet voulu. Une excellente artiste plasticienne, qui est de toute évidence, passionnée par ses sujets et son art. N' hésitez pas à consulter son site officiel, une bonne galerie d' oeuvres vous attendent. Des oeuvres différentes, empreintes de traces, de gestuels, de textures magnifiques. photo gauche: Les îles du Pacifique.

  • Magma du Karthala. -
    Dans cette oeuvre, vous trouverez un bel exemple de connivence entre l' ajout de matière.

  • Orion, la rangée de perles. -
    Dans cette oeuvre, l' artiste crée du relief . En certaine endroits , on dirait du sable, mélangé à la peinture, donnant l' illusion d' une nébuleuse.

  • Un nouveau chemin créatif. -
    Après avoir arpenté les nombreux méandres de la figuration et semi-figuration, Sylvie Poinsot nous revient avec un tout nouveau créneau artistique: l'abstraction lyrique. L' artiste, après des premiers pas timides, et prudents, a trouvé son rythme de croisière, dans ce nouveau chemin créatif, comme elle le surnomme, elle-même. Les mouvements sont souples, épurés, et ne recherchent plus à se rattacher à une quelconque projection réaliste. La sensibilité épidermique, légendaire, de l'artiste, fait retentir avec force, le lien indélébile qui la soude à son médium. Une spontanéité lumineuse cette fois, appuyée par une toute nouvelle palette de couleurs. Des couleurs pures, primaires, primitives, qui révèlent simplement, entièrement, la passion intarissable de cette femme. Elle démontre qu'elle est capable d'harmoniser les harmonies dissidentes de l'expressionnisme pur: l'éternelle dualité entre le coeur et la raison. Une belle expression de liberté et de spéculation picturales, chromatiques. Sylvie Poinsot révèle encore une fois, son plein potentiel artistique. Son nouveau chemin créatif vaut certe, le détour. De nouvelles oeuvres à voir, sur son site web.

  • Des oeuvres toutes en profondeur. -
    Venue du monde du théâtre, Sylvie Poinsot n' a pas pour autant apostasié ses appartenances anciennes, puisqu' elle a transposé éléments théâtraux, et arts visuels, dans une fusion passionnelle, qui est une véritable profession de foi. Le personnage, les masques, sont au centre de ses préoccupations; visages esquissés à grands coups de couleurs éclatantes, fébriles. Un expressionnisme entièrement soumis à ses visions intérieures, à l' écartèlement des parois du coeur. L' artiste avoue plusieurs influences , dans le développement de son art. Pour ma part, je trouve qu' on perçoit, dans la production de Sylvie Poinsot, le même bouillonnement artériel, la même franchise sans compromis, la fureur de peindre, qui éclatent dans les oeuvres de Basquiat. Bien que les oeuvres des deux artistes soient très différentes. Le même arrachement viscéral, se dégage de leur travail respectif. Seule différence; dans le travail de Sylvie Poinsot, pas de distraction, pas d' environnement pictural envahissant. Le projecteur est braqué sur le seul sujet, le dénudant dans toute sa vulnérabilité et sa fragilité existentielle. L' artiste travaille l' acrylique sur toile, le pastel sec et l' encre sur papier; offrant avec une belle générosité, des oeuvres personnelles, toutes en profondeur et en candeur. De l' énergie créatrice à l' état pur.

  • Une présence aux couleurs de l'immense. -
    CV artistique sylvie Poinsot 2019.Alors que ses acryliques sont composées avec une large palette de couleurs, avec exubérance, ses pastels, au contraire, sont réalisés avec quelques traits très sûrs. En quelques lignes et mouvements, l' artiste suggère des portraits très dense en qualité expressive. Le regard, surtout, est important dans ses oeuvres. Il fait vivre et vibrer l' âme des sujets, au rythme de l' expressionnisme intime, unique et fracassant, de l' artiste. Sylvie Poinsot a une production assez abondante à voir. Production qui ne laissera personnes indifférentes et qui séduira certainement les amateurs d' oeuvres fortes. Je vous suggère vivement, de consulter son site officiel, où une bonne galerie d' oeuvres vous attend.

  • Artiste de grand talent. -
    ??Marie Thomas est une artiste peintre, plasticienne française de grand talent, qui travaille la peinture et la sculpture de papiers recyclés. Elle expose dans plusieurs pays européens et ses oeuvres lui valent une excellente renommée. En ce qui concerne ses toiles, on pourrait dire qu' il s' agit d' un dialogue entre le chuchoté et le claironné. L' artiste est passé maître dans la création de plages tranquilles, surplombant ses tumultes et ses essors. Ses blanc exhibent la couleur, tandis que ses couleurs, nous ramène aux blancs. Ses oeuvres possèdent une gestuelle harmonieuse, qui savoure la liberté de ses propres élans, et de ses propres retenues. Une artiste en parfaite possession de son art. Les toiles présentes dans cette page, sont ses dernières créations, et de magnifiques créations, qu' elles nous offre avec beaucoup de générosité. L'épicentre, le système nerveux de ses oeuvres, comporte beaucoup de recherches plastiques; frottis,transparence,relief,matières, coulis,opacité, sont autant de gestes expressifs, animés par son incroyable ardeur d' exploratrice plasticienne. L' aventurière dévore le blanc de la toile pour exposer sa terre natale , ses imaginaires et ses îles vierges. Des paysages abstraits, issus d' un imaginaire serein, délivrés de ses tempêtes. Oeuvre à gauche: Vallée de silence. Cliquer pour agrandir.Texte regard sur les silences.

  • Les oeuvres de papiers recyclés. -
    Les sculptures de papiers recyclés évoquent le cocon, la métamorphose, qui se réalise à l' abri des regards Les méandres silencieux du développement de la vie. Ces pièces sont belles et étranges, ultime prolongement d' un corps de femme. Ces métamorphoses peuvent aussi bien aboutir à la délivrance de soi-même, qu' à la création d' une vie autre. Ces matrices démontrent encore une fois, la relation étroite de l' artiste avec ses matériaux. Elle fait corps avec eux: plissant, cousant, pliant, insufflant la vie à son travail, avec une passion et un plaisir, sans compromis. Marie Thomas ne se laisse pas distraire, ni dériver. Son art en fait foi. L' artiste a un beau site officiel, bien documenté. De belles oeuvres vous attendent, que vous saurez apprécier, à leur juste valeur. Une excellente artiste plasticienne, qui n' a certainement pas fini, de faire parler d' elle. L'oeuvre à gauche ( très très belle): Sans titre. 2013. Cliquer pour agrandir.


  • Un art Zen. -
    Anaska Nort, est une artiste plasticienne française, qui vit et travaille en France, à Cugnaux, plus précisément. L' artiste explore avidement les deux et trois dimensions. Les influences qui la font vibrer, sont multiples : on découvre une résonance certaine, issue des arts premiers, la bande dessinée, la figuration romantique, l' anthropomorphisme ( dans le cas des statuettes en argile), les influences cosmiques et les activités de l'hémisphère gauche et droit, du cerveau. L' artiste est intarissable. Cette femme est un petit missile, à tête chercheuse, traquant sans relâche, les sujets susceptibles de stimuler son imaginaire, pour les incarner dans la matière. Ses sources d'explorations plastiques sont elles-aussi, étendues. Elle combine peinture acrylique, avec du sable, ciment, petite pièce en argile, feutre,etc. Son travail fait appel au graphisme, dans une grande mesure. Une artiste frissonnante de tout, puisant ses énergies créatrices entre les entrailles de la terre, et les confins du cosmos. Oeuvre de gauche, très belle: Tu es ce que tu penses. 800 Euros. Toile acrylique, gel,collage, feutre. Cliquer pour agrandir.Le parcours d' Anaska Nort.

  • Un language universel. -
    Cette peinture conceptuelle, est la préférée de l'artiste. Elle est composé de plusieurs éléments divers, associés à l'acrylique, pour donner du relief, de la texture. Certaines toiles de l' artiste, que vous trouverez sur son site officiel, rappelle l'art autochtone d'Océanie. Un graphisme exubérant qui ressemblent à une cartographie de territoires naturels, des représentation d'animaux, apparaissant comme autant de motifs identitaires, des symboles rappelant des points d'eau. La similitude est bien réelle. Il y a bel et bien, un esprit autochtone chez Anaska Nort. Ou plutôt, comme elle le dit si bien elle-même, elle est universelle. Y compris, aussi, autochtone dans l'art, comme dans l'âme. Ses statuettes sont elles-aussi, issues d'une globalisation naturelle à l'expression des arts premiers, que l'on reçoit immédiatement, au vu des oeuvres . L' apparence anthropomorphique des pièces, accentue cette impression, impression tenace, et qui a la vie dure. Pour notre plus grand plaisir. Les statuettes sont en argile cuite et patinée, et agrémentées de fil de laiton. La toile de gauche: Tellement beau. 1500 Euros. Techniques mixtes: ciment, sable, gel, têtes en terre cuite, peintes et collées. N' hésitez pas à visiter son site officiel. D' autres oeuvres vous attende. Une belle exploration dans ses mondes d'hier à aujourd'hui.
    Texte de l'oeuvre Tellement beau.

  • Le pouvoir des mots. -
    Nous sommes faits de langage, de mots.Les mots nous construisent.
    Soyons attentifs au choix des mots, un mot peut ouvrir ou fermer.


  • Un excellent artiste. -
    Pascal Cavalli est un artiste plasticien français, extrêmement doué. Son domaine de prédilection,est l'art abstrait. Sa formation académique aux Beaux-Arts, l' a amené à pratiquer la technique du dessin , avec une véritable passion et une assiduité irréprochables. Pour ses deux dimensions, l'artiste travaille avec l'encre de Chine, l'aérographe, l'acrylique et les techniques mixtes. Sa vocation de sculpteur, cependant, éclipse quelque peu, son travail en deux dimensions. Très, très belles, ses sculptures séduisent ,d'emblée. Les pièces, sont l'expression d'un équilibre parfait entre audace et esthétisme. Un travail très soigné. Des oeuvres au traitement très contemporain, malgré l'exploitation de matériaux nobles, utilisés à l'époque de l'âge d'or de la sculpture traditionnelle: marbre, pierre et bronze. La ligne et la texture sont omniprésentes dans le travail de Pascal Cavalli. Les pleins et les vides, les ombres et la lumière, les courbes sensuelles, se marient avec une générosité harmonieuse. Le mot sérénité est un mot-clé qui se dégage fortement de son travail. En effet, pas de frénésie, de gestes inutiles. Des gestes assurés, tranquilles; témoignages éloquents d'une grande sérénité créatrice, incarnée dans la matière. L' artiste s'inspire des géants issus de la sculpture moderne: Henri Moore, Brancusi, la sculpture égyptienne. le travail de Kandinski,Calder etc. On reconnaît effectivement ces affiliations dans le travail de l'artiste. D' excellentes affiliations. Bref, Cavalli est un grand artiste, animé par une passion et un talent, jamais pris en défaut. Un perfectionniste. De l'excellent travail, doublé d'une production abondante et luxueuse. Les amateurs de bonnes et belles sculptures, seront comblés. Oeuvre à gauche: Maggio. 2009. Cliquer pour agrandir.

  • Une grande production. -
    L' artiste est très prolifique. Son site web vous réserve un bel accueil, avec 140 photographies de sculptures. toutes aussi belles , les unes que les autres. Les oeuvres de Cavalli se retrouvent dans plusieurs collections particulières, dans une dizaine de pays, en Amérique du Nord et en Europe. Les matériaux utilisée par Cavalli, proviennent de la Meuse, du Poitou, des Charentes et du Lot. Des oeuvres pour tous les goûts. ( Oeuvre de gauche: Élégante 2012. Bronze. Superbe sculpture. Une patine riche, lumineuse, luxueuse. Cliquer pour agrandir. Les oeuvres de l'artistes sont fluides, aérées. Dans ses dessins, on retrouve cette même suavité, la sensualité tangible, la légèreté de la ligne,acquises par une grande maîtrise technique et une longue pratique . On reçoit la même assurance tranquille, que dans ses sculptures. Diverses série sont offertes sur son site, séries qui livrent un très bon portrait de cet artiste talentueux. N' hésitez pas à y consacrer un bon moment, les oeuvres sont tout à fait, à la hauteur de vos attentes. Pascal Cavalli, un nom d'artiste à retenir.


  • Des réalisations techniques impeccables. -
    Kalian Lo travaille ses clichés avec beaucoup de perfectionnisme, et ne ménage pas les efforts pour créer des mises en scènes, à la hauteur de ses espérances.. Plusieurs séries vous attende sur son site. Séries qui témoignent de l'ardeur créatrice et de la curiosité insatiable de la photographe, lorsqu'il s'agit d'immortaliser les projections de son esprit. Vous aurez plaisir à pénétrer dans son monde imaginaire Un beau voyage, en perspective.Cliquer pour vous inscrire à sa mailing list.





  • L' expression d'un monde végétal. -
    Les oeuvres de l'artiste exploitent largement la teinte délavée, les couleurs sombres, terreuses, minérales et végétales. De même que sa relation avec la sculpture, en est une de sculpture-nature, à de nombreux égards. La matière brute, le geste accidentel et volontaire , se côtoient, dans une optique fusionnelle.. De belles oeuvres intenses qui sauront vous accrocher. Les sites consacrés à la présentation de son travail, vous propose une bonne galerie d'oeuvres. A voir absolument. A gauche: Belle sculpture. De passés aériens en racines profondes. 2013. J'aime beaucoup l'approche singulière et naturelle de l'artiste, lors de la fabrication de ses objets sculpturaux. La matière originelle, organique est exploitée avec un grand respect et un amour inconditionnels. Ne manquez pas de visiter son blog. Vous trouverez d'excellentes réflexions personnelles de l'artiste au sujet de son travail.


  • Une oeuvre sans prétention. -
    Plusieurs oeuvres de l'artiste, sont des créations purement imaginaires. Mais l'abondance des détails particuliers, singuliers, l'exotisme, flagrants dans son travail, trahissent l'âme et la mémoire de la grande voyageuse. Le rappel de ces lieux visités en personne, est certainement mis au service de son imaginaire, pour la réalisation de plusieurs toiles. Véronique Naffetat, en dépit d'une jeune carrière de peintre naïf, laisse déjà une marque extrêmement bien ancrée dans son domaine. Nul doute, que dans l'avenir, elle deviendra une figure incontournable de l'art naïf. En attendant, visitez ses sites pour découvrir d'autres belles oeuvres, mises à votre disposition. Un vrai régal, vous ne ferez pas le détour pour rien. Du bon travail artistique qui saura vous égayer et vous ravir. Oeuvre à gauche: Bali jolie. Cliquer pour agrandir.




  • Des oeuvres profondément émouvantes. -
    Xabier Soubelet est un peintre expressionniste basque. Il est né le 20 Mai 1953, à Ciboure. Xabier Soubelet a perdu toute sa famille, assez jeune, ce qui a marqué profondément sa destinée. L' artiste vit et travaille dans la vallée du Baztan et le labourd natal. Sa feuille de route, en tant qu'artiste professionnel, est impressionnante. De nombreuses expositions, un peu partout, à travers le monde, et une renommée, qui n'est plus à faire. L' artiste s'inspire largement de l'expressionnisme allemand, avec son emphase émotive, explosive. Une gestuelle débridée, large, expansive. Soubelet a commencé sa carrière en tant que peintre impressionniste. Avec le temps, sa figuration s'est réduite à l'essentiel, ou plutôt, à l'essence même des choses. Démarche de semi-figuration, qui devait le conduire à l'abstraction. Maintenant, l'artiste ne jure plus que par l'art abstrait. Sauf en quelques exceptions, où il tolère quelques petites touches de figuratif. Son oeuvre compte maintenant, 1890 tableaux, peints pour la plupart, sur bois. Oeuvre à gauche: Portua 1. Cliquer pour agrandir.


  • Un peintre très prolifique. -
    La palette de couleurs de l'artiste est profondément troublante. Elle accroche et projette. Des mouvements colorés, denses et provocateurs. L' expressivité de Xabier Soubelet, est extrêmement poignante. Si vous préférez ses oeuvres figuratives, je vous recommande de visionner la vidéo, dédiée son travail antérieur; lorsqu'il ne faisait que de la figuration. De belles scènes de natures, sensibles et percutantes, à couper le souffle. Son site internet contient d'excellentes informations sur le peintre, ainsi que de bonnes galeries d'oeuvres, récentes et plus anciennes. Xabier Soubelet est un grand peintre, un peintre à l'âme survoltée. De belles oeuvres à voir. Un rendez-vous à ne pas manquer. Oeuvre à gauche: Bleu. Cliquer pour agrandir.

  • Artiste Plasticienne. -
    Edith Delattre est une artiste plasticienne, sculpteur(e) de nationalité française. Son art s'inspire largement de la mise en scène photographique. Le trompe-l'oeil, le flou, la réflexion de miroirs, la transparence, l'opacité, etc, sont autant de préoccupations, qui sont au coeur de l'oeuvre de cette artiste talentueuse. La décomposition des mouvements, (particulièrement dans ce cas-ci, le travail de M. Duchamp), est également représentée, dans l'oeuvre d' Edith Delattre. Elle utilise différents matériaux; mariant avec succès: le bois, le verre, les miroirs, le métal, pour ne nommer que ceux-là. En somme, elle crée, selon sa propre expression: des boîtes à pensées. Le travail de l'artiste est extrêmement soigné, extrêmement esthétique. Les mondes paradoxaux d' Escher suscitent un vif intérêt chez l'artiste, et font corps, avec son travail de recherche. L' artiste exploite avec adresse, l' opposition complémentaire ( ou une sorte de dialogue inusité) entre les pleins et les vides, la ligne et les surfaces uniformes. Elle tire de ses matériaux, toute la vigueur sensible qu'ils sont capables d' émettre et de transmettre. L' oeuvre à gauche, très belle, est un excellent exemple de la capacité d' Edith Delattre, de dérouter nos sens et notre perception de la réalité. Elle crée un autre univers, parallèle et versatile, à l' intérieur même du monde réel. Cette oeuvre est un bel exemple, de réalisation Trompe-l'oeil. Très belle pièce.

  • Une oeuvre résolument contemporaine. -
    Le travail de l'artiste s' accomplit dans une optique large et contemporaine. Les matériaux choisis, s' inscrivent dans cette lignée, inédite , d' un monde global, gouverné par un interaction du visible et de l' invisible., du mobile et du statique... L' art cinétique, l' Histoire... Car l'artiste aime explorer les époques, afin d' en saisir la substance et la mettre à profit, dans ses oeuvres. Ses intérêts naviguent entre hier et aujourd'hui. Avec une inimitable griffe contemporaine. Edith Delattre est résolument entrée dans le deuxième millénaire, avec sa production artistique. Ses sculptures en font foi. Son site officiel est très bien documenté. Plusieurs rubriques sont à votre disposition. Les galeries proposent de belles oeuvres, réalisées avec un talent qui a largement fait ses preuves. Son blog saura également vous combler. N' hésitez pas à les parcourir avec attention. Edith Delattre est une artiste à ajouter à vos favoris. Une très bonne artiste plasticienne. Oeuvre à gauche: Piranèsi Carceri Cliquer pour agrandir.


  • Des mises en scènes de toute beauté. -
    D' excellents contrastes, des reflets joliment exploités, des scènes anecdotiques, remarquablement gravées sur la pellicule, Françoise Larouge sait nous combler, de fresques photographiques, qui séduisent et envoûtent. Certaines de ses photographies sont aussi délicieuses à contempler que des aquarelles. Certains de ses moments d'éternité , possèdent une tessiture photographique très élaborée, comme Flaque par exemple, et qui chante comme un poème. Ses sites vous donneront l'occasion de plonger dans l'univers personnel de l'artiste et de découvrir les nombreuses facettes de son art. Ses clichés séduisent, ses collages, par contre, mordent. Deux approches diamétralement opposées, qui se complètent avec ravissement. Une bonne artiste à retenir. Vous trouverez son cv professionnel, dans ce fichier à télécharger. Oeuvre à gauche: Vélo dans l'eau. 2013.MEDIA_UID_bv000001.lkdoc.bioexpo2014.pdf

  • Michel Blouin est un peintre natif du Québec. -
    Michel Blouin est un peintre autodidacte et un auteur de recueil de poésie. L' artiste peint à temps plein depuis plusieurs années. En 1999, il publie le livre: Survivants de la pleine lune, suivi de: J'écris ciel comme sang , paru en 2007. L' artiste peint l'Histoire du monde, notre Histoire du monde, ainsi que sa propre représentation des cycles de la vie. Celle qui hante ses pensées et qui revendique l'absolue fureur de vivre, sans compromis. Des oeuvres fortes, qui restent en mémoire. Depuis une dizaine d'années, Michel Blouin a exposé partout au Québec, ainsi qu' en Autriche , en Italie et aux Etats-Unis. Une belle reconnaissance de son travail, à l' international.



  • Une reconnaissance internationale. -
    En 2013, Michel Blouin s'est mérité le 1er prix (oeuvre bidimensionnelle), décerné par le Groupe Financier Inc. L' artiste est motivé par un questionnement constant de nature philosophique et psychologique. Ses oeuvres véhiculent une charge émotionnelle extrêmement puissante, teintée d'un symbolisme omniprésent. Des couleurs éclatantes, qui imposent le rythme visuel, le rythme accroche-coeur. Des représentations qui semblent puisées dans les échos de l'exceptionnelle et infernale clameur du monde, depuis le début des temps. Depuis l'explosion ultime qui a fait reculer le néant, incarnant la vie sur terre. On perçoit une résonnance, très première nation dans la travail de Michel Blouin. Son site officiel vous attend, avec une belle galerie d'oeuvres. Vous pouvez visionner le reportage qui suit, réalisé en 2011, sur son travail. Michel Blouin est un artiste à découvrir et à suivre, avec un grand intérêt. Des oeuvres magnifiques, de la part d'un créateur qui se donne à fond, à son art. https://www.facebook.com/LeZartsMAtv/posts/10151511735054718



  • Sylvie Rouquette: artiste plasticienne française. -
    Marseillaise d'adoption, Sylvie Rouquette a vécu de longues années en Afrique. Elle y a géré une galerie d'art qui a très bien fonctionné et dont la renommée a franchi les frontières africaines. Elle y a rapporté, dans ses bagages, un peu de sa petite Afrique. Une belle appartenance de coeur, qui ne la quitte plus, depuis. L'artiste adore se mettre à l'écoute des ses matériaux; découvrir le langage subtile, le devenir qu'ils cachent . La recherche de nouvelles techniques la passionne et est une partie importante de son travail. Son habileté artistique se manifeste avec la même puissance, dans ses deux et trois dimensions. L' ensemble de ses peintures révèlent des teintes terreuses, minérales et opaques; parsemées, de puits de lumière, qui éclairent tout à coup, l'oeuvre, d'une lueur éblouissante. Par contre, d' autre pièces, sont résolument composées, de teintes vives, éclatantes. Une foule de gestes expressifs, compose une densité unique, intense et qui donne un rythme énergique à l'ensemble. De belles oeuvres à voir et à découvrir. Toile à droite: Essai.

  • Une adepte du Raku. -
    Sylvie Rouquette travaille la peinture, la céramique, et produit de très belles oeuvres, avec la technique du Raku. ( Les japonais ont eu la main heureuse, lorsqu' ils ont inventé cette technique.) C'est surtout dans ses trois dimensions, que l'on perçoit l'influence africaine. Les couleurs chaudes , les ocres, les bruns terreux, la forme minimale, tout y est, pour faire un rappel, tout en beauté, à ses racines de coeur, au continent africain. Un continent très cher à sa mémoire et à ses amours. Son site officiel comporte trois galeries d'oeuvres. Des galeries bien fournies de pièces de qualité, qui sauront vous faire apprécier, le travail minutieux de cette artiste talentueuse. Surtout ne ratez pas les céramiques, les sculptures et les oeuvres en Raku. Je crois qu' elles vont beaucoup vous plaire. Sylvie Rouquette est une artiste plasticienne à suivre. De bonnes émotions franches, à saisir, au vol, par l'entremise de son travail, et par sa passion dévorante. Photo droite: Corps déchiré.

  • Une bonne production. -
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    Marie Claude Kerrenneur est une artiste assidue à son travail de création. Elle possède une production de grande quantité et de grande qualité. Le travail d'un esprit rigoureux, qui se projette dans ses oeuvres, sans compromis, ou demi-mesures. Ses oeuvres possèdent des références tactiles bien évidentes: d'abord, bien sûr, dans leur matières mêmes. Mais aussi, parce qu'elles exacerbent le goût du toucher, chez l'observateur. En effet, son type de travail, donne envie d'explorer, de parcourir ses oeuvres, avec les mains. Pour les sentir, en plus de les voir. L'artiste ne fait pas un usage abusif de la couleur; privilégiant les teintes naturelles, non-composées. Néanmoins, la couleur plutôt parcimonieuse dans ses oeuvres, complète bien l'esprit de l'oeuvre. Du travail épuré, qui livre l'essentiel. L' artiste semble très à l'aise, dans le travail monochrome. Beaucoup de ses toiles sont résolument abstraites, mais elle ne dédaigne pas pour autant la figuration. Ou disons plutôt, une semi-figuration, qui nous oriente dans la direction voulue, mais sans rien imposer. Son site officiel est bien fourni, autant en informations pertinentes, qu' en photographies d'oeuvres. Vous aurez grand plaisir à le parcourir et à découvrir son magnifique travail. Marie-Claude Kerrenneur est une excellente artiste plasticienne à découvrir et à suivre.

  • Jean-Louis Courchesne est un artiste peintre du Québec. -
    Jean-Louis Courchesne est né à St-Hyacinthe en 1953. Sa formation académique: Bachelier ès arts, à l'Université de Montréal et Hec. Il est un artiste peintre autodidacte. Jean-Louis travaille avec l'acrylique, essentiellement. Ses premiers pas, comme peintre, l'artiste les a fait, comme beaucoup d'autres avant lui, en peignant les beaux paysages du Québec. Après de nombreuses années consacrées à la peinture figurative, l'artiste a bifurqué vers l'art abstrait. C ' est cette forme d'art, qu'il privilégie dorénavant. Jean-Louis Courchesne n'est pas passé de la figuration à l'abstraction d'un seul élan, mais a suivi un chemin emprunté par beaucoup d'artistes: c ' est-à-dire, en commençant par faire de la semi-figuration. Étape qui a évolué jusqu'à l' abstraction complète. Les couleurs employées par le peintre, s'inspirent de celles que l'on retrouve dans la nature, à l'état brut. Le peintre produit une oeuvre explosive et intense, qui s'empare de la toile et l'occupe entièrement. La nature a horreur du vide, et le travail artistique du peintre, s'inscrit tout à fait, dans cette philosophie absolutiste. Un peintre entier, qui se dépasse constamment. Toile à droite: Exaltation.

  • Une luminosité particulière. -
    L' artiste peint avec un abandon fracassant. Sa gestuelle est souple, tonitruante et sensible. Il travaille beaucoup avec les couleurs pures, exposant à nu, leur plein potentiel d'expressivité. Mais on reconnaît souvent des éléments de nature, dans son travail, en dépit d'une abstraction totale. Les références à l'eau ( Nuit folle), le feu (Opus de la trilogie), par exemple, sont bien présentes dans son oeuvre. Oui, Jean-Louis Courchesne transpose un peu de la nature, dans son abstraction. Le traitement de la couleur est particulier. Il expose toute la capacité plastique, élastique de l'acrylique, ainsi que la montée maximale, de sa luminosité. Jean-Louis Courchesne aime son médium. Son site web va vous donner l'occasion de découvrir d'autres oeuvres de cet artiste , à l'oeuvre très intense. Deux séries d'oeuvres différentes, vous donneront un bon survol de la gamme technique et expressionniste , de cet artiste qui sort du lot. Toile : Nuit folle.

  • Une recherche plastique unique. -
    Le travail de tout artiste plasticien, comporte un volet recherches plastiques, imposant. Celui d' Hélène Bascoul , n'échappe pas à la règle. Plusieurs de ses matériaux sont étranges, dans le cadre de son travail: cannettes rouillées, affiches décollées, du plastiques, du bois, de la ferraille. Toutes choses que l'on ne retrouve pas habituellement, dans des deux dimensions. C' est ce qui rend son oeuvre, unique. L' artiste parcourt son environnement, le bord des plages, en ayant en tête, la découverte, qui lui permettra de transcender la matière . La résurrection de ces objets, est le témoignage expressif, de ses préoccupations et élans artistiques. De toutes nouvelles traces, pour l'artiste, si sensible à son milieu. De plus, ses techniques de travail sont nombreuses: dessins, acrylique, gravure sur zinc et lino, monotype et différentes techniques de graphisme, assemblages, fabrication de mobiles. Elle est intarissable, de langage plastique. Son site officiel est très représentatif de son talent. De belles oeuvres vous attende, en très grand nombre. Sa galerie est bien fournie. Des oeuvres très diversifiées, car, c'est un autre point fort de l'artiste, cette capacité d'inventer et de réinventer constamment des oeuvres différentes. Hélène Bascoul est vraiment une artiste plasticienne, convaincue. Une découverte à ne pas manquer. Oeuvre à gauche: Je suis là.

  • L'amour des arts textiles. -
    Françoise Ferreux explore avec délice, les multiples facettes de la fibre de Lin. Elle crée de belles formes variées et audacieuses, dont la souplesse révèlent la substance soyeuse de la fibre, tout en conservant son caractère solide et malléable. De la fragilité à la fermeté du bois. Le lin se prête bien à la torsade, à l'effiloché. Toujours du côté de l'imprévisible, puisqu'il s'invente et se réinvente lui-même, créant constamment de nouvelles formes. Françoise ferreux se sent en contact avec la nature avec la pratique de son art; elle se révèle et expose avec passion, les propriétés particulièrement sensuelles, du Lin. Car il y a beaucoup de finesse et de sensualité, dans ce matériaux. Par ses possibilités multiples et sa gamme de rendus à toute fin utile, infinis, le Lin se démarque des préjugés qui l'ont longtemps, stigmatisés. Une aube nouvelle se dessine pour lui. Avec une porte-parole comme Françoise Ferreux, nul doute que la reconnaissance sera heureuse. Le site officiel de l'artiste attend votre visite, et vous saurez certainement faire honneur à ses créations.

  • Artiste autodidacte. -

    Il me fait toujours plaisir de vous présenter des artistes autodidactes. Leur travail hors normes, est intéressant à découvrir. Isabelle Lagier est une artiste française, autodidacte, qui a été initiée aux arts plastiques et visuels, en classe de troisième. Depuis, d'approfondissements en approfondissements, la créatrice autonome se lance dans l' étape de l'exposition et de la diffusion, proprement dite. Le travail d' Isabelle Lagier est étroitement lié à son vécu personnel. La jeune femme, a roulé sa bosse en Europe, en Allemagne, entre-autre, et a exercé plusieurs métiers différents. Sans doute par goût et aussi par nécessités, comme beaucoup de jeunes qui se cherchent.

  • Recherche artistique. -
    Sa recherche artistique est elle-aussi, l'attention d'une exploration perpétuelle: elle travaille la gouache, le crayon, les formes pleines, le graphisme est également omniprésent dans ses oeuvres. Son travail navigue entre l'abstraction et le semi-figuratif. L' artiste produit une abondance de couleurs, qui imposent un rythme très ardent à ses deux dimensions. Sans pour autant, perdre leur cohérence. Parfois l'ajout de petits objets récupérés , complètent son travail de création, comme du bois de plage, du sable par exemple. Ce qui traduit peut-être, quelques instincts de plasticienne, encore natifs. Du moins, pouvant ouvrir sur la carrière de plasticienne, à part entière.

  • isabelle-lagier-pinkivioletblue-art.pdf -
    Plusieurs créations de l'artiste sont des oeuvres autobiographiques. La fécondité, le système reproducteur, étant la pièce maîtresse de celles-ci. Féminisation d'un concept, étroitement lié à une expérience douloureuse, qui visiblement, a marqué la jeune femme. Ses oeuvres ne sont pas limpides, bien au contraire. Les sujets traités sont noyés à travers une explosion de formes et de couleurs. Beaucoup d'entrelacements, de liaisons, entre les composants des toiles. Des points, des flèches, constituent une sorte de code graphique propre à l'artiste.



  • Une collagiste affirmée. -
    Christine Beglet est une artiste collagiste française. Née en 1954, elle vit et travaille à Toulouse. Ses premières expériences en peinture, la conduisent vers les oeuvres de Monet, qui est une véritable révélation, pour elle. De là, les études supérieures, aux Beaux-Arts de Toulouse, à 16 ans. Très jeune et déjà confirmée, dans ses aspirations artistiques. Ses premiers travaux sérieux, se concentrent sur la peinture; en particulier l'art abstrait. L' appel de la couleur sous toutes ses variantes, la séduit au plus haut point. Diplômée en 1976, elle expose ici et là, et pars ensuite pour la Guadeloupe, et découvre d'un même souffle, l'art naïf haïtien. En 1993, elle rencontre à Paris, le pédagogue Arno Stern, qui anime des ateliers de peinture. Ce qui la conduit à acquérir une formation d'animatrice d'ateliers d'expression. C' est à ce moment, qu'elle s'initie aux collages. Ses intérêts se tournent vers le surréalisme. Ce courant artistique lui permet de dépasser ses limites. Elle trouve sa voie. Christine Béglet intègre petit à petit, des éléments d'architecture, qui deviendront sa marque de commerce: ses favelas. (Inspirés des bidonvilles Brésiliens.) Ses créations occupent tout l'espace disponible, sur la toile. Elle augmente les formats et crée des oeuvres qui deviennent pratiquement des fresques. L' artiste accumule les magazines couleur: elle plie, colle, découpe, superpose, juxtapose, créant des contrastes, des imageries complexes, qui deviennent des oeuvres, avec une existence propre et légitime. Un véritable labeur de fourmi. Ses favelas ont acquis leur lettre de noblesse, avec leur étrangeté, leur architecture distorsionnée, leurs séismes picturaux si élégamment sympathiques. L' artiste a crée un précédent artistique, qui demeure encore à ce jour: on ne retrouve rien de semblable, nulle part, ailleurs...Oeuvre à droite: Contamination urbaine.

  • La Biennale internationale d'Art Hors normes de Lyon, lui a valu le prix P'tikon d'or. (Prix du public.) -
    ?Les oeuvres de l'artiste sont très denses, en intensité comme en éléments visuels. Beaucoup de graphisme, un rythme accroche-coeur qui retient immédiatement l'attention. Certaines zones de ses toiles mettent à mal, la logique architecturale, en distorsionnant les édifices, certains sont même presqu'à l'horizontale. L' artiste joue avec notre perception de la réalité, avec un plaisir manifeste. Et son plaisir devient le nôtre. Ces poches de rébellion picturale cassent avec le conformisme.

  • Une géniale touche-à tout. -
    Nathalie Trépanier est une artiste multi-disciplinaire du Québec. Elle vit et travaille à Montréal. Son oeuvre comporte plusieurs volets: sculptures, fabrication de meubles, de lampes, et elle a fait quelques scénographies pour le théâtre. Le point fort de son travail, demeure cependant, la conception de ses sculptures. Des oeuvres qui sont de véritables bonbons pour l'âme. Elle possède, pour se faire, un sens de la matière unique en son genre. L' artiste est passionnée par le bric-à-brac , depuis sa plus tendre enfance; récoltant toutes sortes d'objets devenus inutiles, dans les brocantes. La possession de ces objets hétéroclites, lui permet, à l'avance, de supputer de quelle manière les employer, pour son travail. Car l'art de Nathalie Trépanier est songé, très très élaboré. Les pièces de récupération sont si bien intégrées, qu'elles sont littéralement fondues dans l'ensemble. Comme les différents instruments d'une harmonie. Ils existent en fonction des uns et des autres, et n'ont plus d'existence propre. Leur utilité première est complètement occultée. L'adresse de l'artiste est époustouflante: elle manipule ses matériaux avec une extraordinaire inventivité, avec une ingéniosité proprement renversante. De plus, son travail est extrêmement soigné, extrêmement esthétique. Ses oeuvres sont impeccables et très belles. Nathalie Trépanier, tout en livrant une oeuvre unique, s'amuse en travaillant. Elle nous ouvre les portes de son imaginaire , de sa candeur et de son humour, sans retenue aucune. Son art nous rejoint et nous rassemble, autour d'une même sensation d'allégresse. Elle fait ressurgir les couleurs de l'enfance. La panoplie des matériaux utilisés par l'artiste est pratiquement sans limite: des trappes à souris, des ustensiles de cuisine, des boutons, des clés, pour ne nommer que ceux-là. Des trésors confectionnés avec un amour affamé d' émerveillements. Oeuvre à gauche: Gigi. Cliquer pour agrandir.

  • Une seconde vie. -
    Le travail de Nathalie Trépanier donne une seconde vie à des objets souvent confiés aux rebuts. L'artiste est extrêmement conscientisée par les ravages exercés sur l'environnement, par nos abus et notre surconsommation. Une excellente cause, représentée d'une excellente manière. En regardant ses oeuvres, je ne peux m'empêcher d'imaginer ses personnages, servant de modèles, pour des films d'animation. Il y aurait largement de quoi faire, dans ce sens. J'espère que des producteurs sauront évaluer son travail, avec une bonne ouverture d'esprit. Ce serait une consécration, pour des personnages qui le mérite vraiment. Vous trouverez une bonne galerie d'oeuvres sur son site officiel. Visitez-le, et régalez-vous, en retrouvant vos joies d'enfants. L'artiste nous livre, sans compter, sa joie de vivre et sa belle créativité. Oeuvre de gauche: Mario. Cliquer pour agrandir.

  • Chichén Itza. -
    Chichén Itza est une ancienne ville maya, dans le Yucatan, au Mexique. Ce site archéologique était le principal centre religieux de cette région, et est encore aujourd' hui, l' un des sites du Mexique, le plus visité. Depuis 2007, il est classé l' une des sept merveilles du monde, par l' UNESCO. Cette cité maya a vu le jour à cet endroit précis, grâce à la présence de deux puits naturels. Trésor inespéré dans une région dépourvue d' eau. Ce site est remplis de vestiges de toutes sortes. La grande pyramide de Kukulkan ( El Castillo), est un monument précolombien, vieux de plus de mille ans. Elle fut érigée par les mayas, en l' honneur de la divinité Kukulkan, le dieu serpent à plumes, d' origine toltèque. Ce monument mesure 30 mètres de haut, ce qui est relativement une petite taille, pour une pyramide. Des gargouilles garnissent le bas des escaliers, représentant des têtes de serpent. D' ailleurs, tout le site de Chichén Itza est parsemé de têtes de serpents géantes. ( source du texte: wikipedia). http://www.dinosoria.com/chichen_itza.htm

  • Gargouille de bois. -
    Dès l' époque romaine, on voit apparaître les premières gargouilles. Elles sont d' abord réalisées en terre cuite. Par la suite, on les sculpte en bois, pour aboutir finalement, à la création de personnage en pierre. Parce que beaucoup plus durable. A gauche, gargouille en bois, ou plutôt, reproduction de gargouille, datant du début du 20 ième siècle. Lieu: France. Bien entendu, les gargouilles en bois sont très rares. J' aurais aimé en trouver davantage, mais je suis heureuse tout de même d' en avoir déniché une. Cette pièce était en vente sur Ebay, mais ne l' est plus. C' est de là que provient cette photo.

  • Belle gargouille. -
    ? Merci spécialement au photographe Yves Becker pour cette photo. Site :http://www.fond-ecran-image.com

  • Gargouille croate. -
    Auteur de la photo: Laurent Piton site :http://photos.linternaute.com/photo/1135943/1146082146/1499/gargouille-croate/


  • L' expression de la douleur. -
    Guiseppe Pongolini, est un sculpteur italien né en 1959, qui vit et travaille à Trescasali, Parma, Italie. Les oeuvres de cet artiste soulèvent fréquemment la controverse. L' emploi de ces couteaux, clous, tenailles, ciseaux et autres, indisposent souvent les critiques, qui qualifient ses oeuvres d' expression de la violence. Certes, les oeuvres de Pongolini parlent de douleur, de violence, mais elles expriment également la connivence , la légèreté et l' humour débridé de son imaginaire incisif. L' artiste désire avant toute chose, susciter des émotions chez les observateurs de ses oeuvres, ce qu' il réussit très bien. Le travail de Pongolini possède incontestablement une atmosphère onirique extrêmement puissante, qui éclipse le discours didactique, et le relègue au second plan. La notion du beau n' est pas une préoccupation majeure chez lui; cependant, l' artiste concède parfois à son travail, la vivacité de la couleur, dans un sens esthétique. Mais dans l' ensemble, ses oeuvres sont dépouillées, réduites à l' essentiel; s' exprimant avec le souffle de la forge et le martèlement décisif. Les photos proviennent du site de l' artiste. Oeuvre de gauche: Crocifissione. 2005.Technique mixte.

  • Biographie Henry Moore. -
    Henry Moore naît en 1898, à Castelford dans une famille de mineur et se trouve dans le nord de la France, durant la première guerre mondiale. Jeune homme très doué pour la sculpture, il étudie à Leeds school of art, puis ensuite, entre au Royal College de Londres de 1920 à 1924. L' artiste a tout spécialement le don, de faire ressortir la vérité du matériau en sculptant directement dans le bois et la pierre. (citation originale). . Sa toute première exposition est directement influencée par les arts premiers. Il participe à l' exposition internationale du surréalisme, à Londres. La deuxième guerre mondiale le marque au point qu' il réalise une série de dessins, ayant pour thème, les réfugiés, emmêlés, entassés dans le métro de Londres. En 1948, son travail est récompensé par le prix de sculpture de la biennale de Venise. Après la guerre, l' artiste se met à l' enseignement, offrant à de jeunes sculpteurs prometteurs, son immense talent et sa connaissance innée de la sculpture. Il travaille à partir du bois et de la pierre, et parfois le bronze. Son travail est très reconnu. Ses oeuvres revêtent un style inimitable: elles représentent souvent des silhouettes féminines, abstraites, entrecoupées d' espaces vides. Henry Moore, préoccupé par le rapport de l' art à la nature, intègre avec succès, ses sculptures monumentales dans l' environnement. En 1972, il crée la fondation Henry Moore, aujourd' hui composée d' une galerie et d' un musée. Ses grandes oeuvres sont connues mondialement. L' artiste meurt à Hertfordshire en 1986. ( source d' une partie du texte:http://www.evene.fr/



  • Barbara Hepworth -
    Photo de gauche: Sphère avec forme extérieure. ( Je n' ai pas l' année.) Cette photo a été cédée au domaine public, et ce, partout dans le monde, par l' auteur: Alpha.prim. 2006. Cliquer sur la photo pour l' agrandir. Dame Barbara Hepworth est une artiste britanique née le 10 janvier 1903 à Wakefield dans le West Yorkshire. L, artiste, comme Henry Moore, est considérée comme un sculpteur marquant de sa génération. Hepworth travaille dans la non-figuration, associant une technique parfaite à la connaissance approfondie de la matière qu' elle manipule, et ce, d' une manière très inspirée et inspirante. Elle étudie au Royal College of Art de Londres. Mais dès 1923, elle met tout en oeuvre, pour se démarquer de la pratique de la sculpture traditionnelle qui lui a été inculquée lors de ses études. Elle explore différents matériaux dans sa quête d' une nouvelle sculpture: taille directe dans le bois, dans la pierre, entre autre. L' artiste maîtrise à la perfection l' art de dégager des espaces vides à ses sujets. Un souci très axé sur l' épuration des formes et le caractère très art moderne domine en elle, afin de créer une sculpture qui se conjugue au temps présent et au futur. Barbara Hepworth meurt le 20 Mai à Saint Ives en Cornouailles. Une excellente artiste à découvrir ou à redécouvrir. Informations de base: Encyclopédie Universalis.

  • Ron Mueck -
    Ron Mueck est un sculpteur australien hypperréaliste, né à Melbourne en 1958. L' artiste commence sa carrière en modélisant des marionnettes pour la télévision et le cinéma en Australie d' abord, ensuite à Londres et à Los Angeles. Il apporte une grande contribution au film Labyrinthe et collabore à la réalisation du Muppet Show. En 1990, il fonde une entreprise de mannequins, entreprise qui se consacre à des contrats publicitaires. Au départ, Mueck crée des personnages qui ne sont voués qu' à la photographie, et d' un certain angle . Cependant, la tentation de créer des sculptures pouvant être vues de tous les côtés, fait son chemin dans l' esprit du sculpteur. En 1997, l' exposition Sensation à la Royal Academy of Arts, révèle son talent, lors de la présentation de son Dead Dad ( père mort), représentation parfaite et miniaturisée de son père disparu.


  • Une excellente céramiste. -
    Violette Dionne est une artiste sculpteure et céramiste native de la ville de Québec. Elle compte de nombreuses années de pratiques artistiques, dans son domaine de prédilection. Diplômée d'une maîtrise en arts à l'UQAM, la créatrice, présentement, se concentre sur la production et les cours particuliers, en atelier, à Montréal. Son parcours professionnel, l'a amené à exposer un peu partout au Québec..Ses oeuvres ont été récompensées de plusieurs prix: le prix d'excellence au salon international de design de Montréal, le prix du public à la biennale nationale de céramique de Trois-Rivières. Sa renommée et sa compétence, dans son secteur d'activité, ont été ainsi reconnues, à leur juste valeur. Car Violette Dionne connaît la céramique. L' artiste pratique la sculpture contemporaine, réaliste et stylisée. Elle maîtrise très bien ces deux styles de production artistique. Comme on peut le constater sur cette photo, le rendu et le traitement de son médium, diffère des genres de créations habituelles, produites en céramique. Elle peut sans peine, donner l'illusion de métal à ses oeuvres, de vieux fer torturé par la corrosion; comme en fait foi, cette vieille pompe à main rouillée. Tout cela, avec un réalisme impeccable et convaincant. Le choix du sujet traité, sort des sentiers battus. On peut même parler d'un sentier dérobé. Le genre de sujet que l'on retrouve plutôt avec l'aquarelle, en général. Mais celà donne à l'oeuvre, un cachet supplémentaire, une émotion mélancolique et attachante, au possible. Très poétique...

  • Une résonnance universelle. -

    Le site officiel de l'artiste présente beaucoup de sculptures qui sont dignes d'intérêt. Ses personnages enchevêtrés, liés par des points de contact, comme soudés par une appartenance commune aux origines du monde, sont étonnants. Visages anonymes, sans traits, silhouettes asexuées, se rencontrent dans un rapprochement viscéral intense. Quelques sculptures suggèrent une timide sensualité de formes et de lignes. Timidité, cependant, contredite par le mouvement, qui lui, est empreint d' une sensualité puissante , un peu sauvage. Oui Violette Dionne est une excellente sculpteure et céramiste. Ses oeuvres possèdent une âme bien ancrée dans la terre-matière. La charge émotive s'exprime librement, tout autant que la technique. Je vous recommande vivement la visite de son site, afin de parcourir les différentes rubriques, en prenant tout le temps nécessaire. Vous trouverez un travail digne de mention et une passion créatrice à son apogée. Pour rejoindre l'artiste pour des commentaires sur son travail, ou prendre des informations sur les cours en atelier: violette7@vif.com

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